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Locarno 2011: 64 años de «Pardo», el prestigio suizo de la cinematografía


— PuntoLatino desde el jueves 18.08.11., estuvo representado por sus redactores Karina Farinati, Michaël Tuil, Luis Vélez Serrano y Stephanie Welter.

— Cada año, en sus 63 de historia, el Festival Internacional de Cine de Locarno reúne a más de 150.000 espectadores, 900 periodistas nacionales y extranjeros y unos 3000 profesionales (directores, productores, actrices y actores, ...). Durante una docena de dias, la ciudad al borde del lago Maggiore es la capital mundial del cine. Los filmes en la Piazza Grande son vistos por unos 8000 cinéfilos. Este 2011, según cifras provisorias avanzadas por Marco Solari, presidente del Festival, se ha registrado un aumento del 14% de espectadores.



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Lista de Galardonados con temas o países de nuestro interés:


CONCORSO INTERNAZIONALE
Pardo d’oro
ABRIR PUERTAS Y VENTANAS di Milagros Mumenthaler, Argentina/Svizzera

Pardo per la miglior interpretazione femminile María Canale
per il film ABRIR PUERTAS Y VENTANAS (Back to Stay) di Milagros Mumenthaler, Argentina/Svizzera

Premio speciale della giuria Ciné+ Cineasti del presente
EL ESTUDIANTE (The Student) di Santiago Mitre, Argentina

Menzione speciale della giuria
É NA TERRA NÃO É NA LUA (It’s the Earth Not the Moon) di Gonçalo Tocha, Portogallo

PARDI DI DOMANI
Menzione speciale della giuria
MENS SANA IN CORPORE SANO di Juliano Dornelles, Brasile
Nomination di Locarno agli European Film Awards - Premio Pianifica

Premio Film und Video Untertitelung
LIBERDADE di Gabriel Abrantes e Benjamin Crotty, Portogallo

Concorso nazionale
Pardino d’oro per il miglior cortometraggio svizzero
L’AMBASSADEUR & MOI (The Ambassador & me) di Jan Czarlewski

Pardino d’argento
LE TOMBEAU DES FILLES (The Girls’ Grave) di Carmen Jaquier

Premio Action Light per la miglior speranza svizzera
À QUOI TU JOUES (Another Game) di Jean Guillaume Sonnier

Lista completa de premiados ... ver ...

 


El Leopardo de Oro para Abrir puertas y ventanas (Argentina-Suiza, 2011, Milagros Mumenthaler). Leopardo a la mejor interpretación femenina para María Canale (Argentina).


 [Foto: la laureada Milagros Mumenthaler con el equipo de PL en la fiesta de despedida del Festival]


— 14.08.11. El filme argentino Abrir puertas y ventanas de Milagros Mumenthaler (Argentina) ganó el Leopardo de Oro 2011. Compitió en el concurso internacional con 20 filmes, entre ellos uno de Chile («El año del tigre»). La joven actriz Maria Canale, también argentina obtuvo el leopardo a la mejor interpretación femenina. La película es la primera obra de Milagros Mumenthaler y el rol de Maria Canale es su primer largometraje.  

— El sinóptico distribuido en español de Abrir puertas y ventanas: «Marina (21), Sofía (20) y Violeta (18) son hermanas. Viven en la vieja y amplia casa de su abuela, Alicia, con quien se criaron desde chicas. Alicia falleció hace un par de meses y esta perdida pone en evidencia la relación entre las tres hermanas. Un estado de incomunicación, de ocultamiento y de mentiras se apropia de la casa, que se tiñe de un atmósfera cada vez más densa. Cada una afronta el duelo a su manera. A Violeta, personaje enigmático, parece no importarle nada; de un día para otro decide irse con un hombre mayor que veía cuando sus hermanas no estaban en la casa. Frente a esta nueva ausencia, que reactualiza la de Alicia, Marina y Sofía reaccionan de maneras muy distintas. Sofía, la rebelde respecto a la educación que tuvieron, vive la perdida como una liberación. En cambio, Marina, la más cercana a su abuela, se siente muy desequilibrada y le cuesta encontrar sus marcas de identidad frente a tantos cambios. Etapa de cuestionamientos, de afrontamientos y de búsqueda, el periodo de un duelo que les toca vivir allí a Marina y a Sofía. El tiempo pasa y las cosas, poco a poco, se van acomodando. La muerte de la abuela y la partida de Violeta van quedando atrás. Ya falta poco para que Violeta regrese». 

— En las ideas que se intercambiaron en la fiesta de despedida. Luis: A mi me interesa el comportamiento narrativo de los personajes no antropomorfos, es decir, de los personajes que no tienen forma humana, pero juegan un rol de personajes. Y, el caso en esta película es de la vieja casona que muerta Alicia, la abuela, un poco juega el rol de representante de la abuela.








Oliver Père: «Un saludo a los amigos de PuntoLatino y os esperamos el próximo año en el Festival»


El director artístico del Festival Oliver Père con el equipo de PuntoLatino: Stephanie Welter, Michaël Tuil, Karina Farinati y Luis Vélez Serrano.




Jan Czarlewski: «Es el día más lindo de mi vida»





























Jan Czarlewski, ganador del «Pardino d'oro» al mejor cortometraje suizo con L'Ambassadeur & moi», para cuya realización siguió durante diez días a su padre, embajador polaco en Bruselas. A PuntoLatino confió: «Es el día más lindo de mi vida» ...




Claude Goretta (Leopardo a una carrera): «Lo que he visto hasta ahora y vivo hoy con mis hijos, nietos y bisnietos, quiero transmitirlo en mi próximo proyecto de película»


«Lo que he visto hasta ahora y vivo hoy con mis hijos, nietos y bisnietos, quiero transmitirlo en mi próximo proyecto de película», confió Claude Goretta a PuntoLatino. A lo largo de su amplia carera, Goretta dirigió películas como L’invitation (1973), La Dentellière (1977), La Provinciale (1980) que tanto por su sensibilidad como por sus técnicas de realización han inspirado a muchos cineastas jóvenes. Uno de los Leopardos de Honor por toda una carrera recayó en Goretta.




Papirosen: la mentira es el hilo conductor del filme (Gastón Solnicki, director)

— (Argentina 2011, Gastón Solnicki) —


— Karina Farinati © de PuntoLatino —


Locarno, festival internacional del cine en su sexagésimo cuarta edición. Inglés, francés, italiano, alemán, japonés. Las lenguas se entremezclan en esta pequeña ciudad al pie del lago Maggiore. Del mismo modo se entremezclan las lenguas y los dialectos en esta película documental en donde se narra la historia de una familia que viaja, emigra, escapa, después de la segunda guerra mundial, a Buenos Aires.

Pero no se trata de una historia lineal, un viaje como tantos otros en aquellos años crueles, sino de un redescubrimiento de la historia a través de recortes. Gracias a un entramado de fotos, videos, relatos de los mayores, conversaciones casuales, vivencias de una familia tomadas con una cámara que los acompañó durante diez años, el director logra este collage familiar en el que centenares de familias se verán reflejadas. No sólo en Argentina, en el mundo entero. Historia universal de movimientos humanos, historia universal de encuentros y desencuentros generacionales, historia universal de la búsqueda de la identidad personal.

Al comienzo nadie podía decir donde nació su padre dado el miedo a ser descubiertos. Nadie podía saber el origen polaco. Estaban ilegales. Más adelante un hijo cuestiona a su padre qué es mentir, que significa mentir. Cambiar de opinión ¿también es mentir? Según el director, Gastón Solnicki, con el que conversamos, la línea de la mentira atraviesa toda la película. La mentira como hilo conductor de los recortes, de los eslabones de la historia que se va reconstruyendo ante nosotros y en nuestra mente como piezas de un rompecabezas que se van uniendo lentamente y el todo va tomando sentido.

Una película emotiva que logra un alto grado de intimidad familiar. Reconstrucción personal de un pasado, análisis social, búsqueda perpetua.




Domingo Violeta nos coloca al borde entre lo que puede ser un juego de niños

(Ecuador, 2010, Ana Cristina Barragán)


— Karina Farinati de © PuntoLatino —

Pocas veces tenemos la suerte de ver una producción ecuatoriana. Domingo Violeta, en concurso internacional “Pardi di domani” (leopardos del mañana), un cortometraje de 18 minutos de alto valor poético.

La luz clara de la mañana nos introduce en la historia. Una niña con ropa blanca camina muy lentamente, una cama vacía, sábanas blancas. Alguien falta en la casa. Es domingo. Un fondo de pureza y blancura como marco de una tragedia familiar. El teléfono suena, nadie responde.

La segunda niña es Violeta, la hermana menor. Vivaz y apasionada, fuerte, dominadora. Vivimos con ellas una excelente escena frente a la televisión. Piezas de dominó que se empujan unas a otras y caen todas en línea. Un maestro enseña el juego. El teléfono suena, nadie responde.

Violeta repite el juego con las piezas de dominó y gana. Después de un golpecito todas las piezas de su dominó caen, una después de la otra, todas, como las del maestro que ella conoce de memoria repitiendo sus palabras. Reímos con su pequeña victoria. El teléfono suena, nadie responde.

Las dos hermanas solas en la casa reproducen roles de adultos. Vencedora, la vemos a Violeta en la cocina dando órdenes. Callada una, llena de energía la otra. La tensión aumenta entre las dos, el conflicto escala, se gritan, se amenazan. El teléfono suena, al fin responde.

Una voz de adulto por primera vez en el mundo infantil. La voz del padre corta el juego, teatro del mundo de los adultos. La noticia es ambigua. Sólo ella comprende, la hermana mayor. Otra voz de adulto termina de explicar la situación al espectador.

Con gran maestría este cortometraje nos coloca al borde entre lo que puede ser un juego de niños, sólo un juego en el que los adultos reímos al reconocernos en ciertos estereotipos y una historia dramática límite. Reímos y lloramos. Intensos 18 minutos de poesía.




Leopardo a una carrera
para Bruno Ganz


 Karina Farinati © de PuntoLatino —

Uno de los tres “Pardo a la carriera” (leopardo a la carrera) que este año entregó el festival internacional de cine de Locarno fue otorgado a Bruno Ganz, actor de reconocimiento internacional, de padre suizo y madre italiana, en una entrega simpática y jovial en la que el actor recalcó irónicamente el poco sentido de los discursos de agradecimientos a premios, sin dejar, sin embargo, de emocionarse al recibirlo y ser ovacionado por el público de la “Piazza Grande”.



Sport de filles: montado a caballo, sentirse el rey del mundo

(Francia/Alemania 2010, Patricia Mazuy)


— Karina Farinati © de PuntoLatino —


A continuación de la entrega del premio a la carrera a Bruno Ganz, se proyectó “Sport de filles”, largometraje de coproducción alemano-francesa.

La directora de la película, Patricia Mazuy, comenta en un reportaje de la revista del mismo festival que la idea nació del sentimiento de estar montado a caballo, ese sentimiento de ser el “rey del mundo”.

De hecho, los personajes de la película, todos a su manera se sienten un poco “reyes de su mundo”, cada uno en su carácter, en su posición.

El personaje que interpreta Bruno Ganz es un entrenador de caballos, una especie de “Don Juan” en crisis con la vida. La actriz que co-protagoniza la película con él antes de ser actriz cabalgaba profesionalmente, hasta que tuvo un accidente y decidió dedicarse al arte escénico.

Dos talentos reunidos. Dos apasionados. Dos clases sociales. El entrena caballos y seduce mujeres. Ella se aferra a su idea y no la deja. Un duelo de atracción, un duelo social. Excelentes caracteres, excelentes actores y excelente música.



Saudade: la nostalgia de los inmigrantes brasileños en Japón 

(Japón, 2011, Katsuya Tomita)


— Michaël Tuil de © PuntoLatino —

Saudade trata de la identidad japonesa en un país en profunda recesión económica, que es ilustrada por el paro en el sector de la construcción donde trabajan los protagonistas Takeshi, Seiji y Hosaka. La situación no es mejor para los brasileños que inmigraron en los años 80 atraídos por el boom japonés. “Nos dijeron de venir aquí, ¡que aquí ganaremos diez veces más!”, comenta en la película uno de estos inmigrantes, que eran en muchos casos los descendientes de la histórica emigración japonesa a Brasil al inicio del siglo XX que volvían a Japón casi cien años más tarde. Enfrentados con una sociedad hermética y sin empleo por la crisis económica, la vida de muchos de esos Brasileños es marcada por la «saudade», la nostalgia de Brasil que los japoneses reinterpretan como «Sannundachi», el nombre de un complejo de edificios. La película Saudade es también la metáfora de la vuelta xenofóbica y dramática del personaje Takeshi que empieza por extrañar el tiempo antiguo, cuando Japón era cerrado al extranjero y termina haciéndose justicia sí mismo. [Foto: con Dengaryu, actor principal de Saudade.]

Dirigida por Katsuya Tomita con un presupuesto total de € 84’000.- y la participación de muchos voluntarios, Saudade es un película que representa el cinema independiente japonés de hoy, auto-producido por directores jóvenes (Tomita nació en 1972) con bajo presupuesto pero mucha ingeniosidad. Estos directores no esconden los pequeños trabajos («baîto» en japonés) que son obligados a hacer aparte de su actividad filmográfica para sobrevivir; Tomita era camionero de noche antes del cataclismo del 11 marzo 2011. Hoy ayuda a construir alojamientos para las victimas: «Nuestra fuerza es la paciencia, no tenemos ningún futuro con el sistema actual pero estamos decididos a continuar a pesar de todo», confió Tomita en Le Journal (mayo 2011, p.59), hablando de la situación de los cineastas independientes en Japón que para la distribución cuentan sólo con su desenvoltura y la solidaridad de algunas salas japonesas y de festivales internacionales como Locarno.

«Espero que a través esta película el público suizo y los Brasileños en Suiza pueden entender un poco mejor una realidad de sociedad que vivimos ahora en Japón, y la situación difícil en algunos casos de la coexistencia de comunidades diferentes ahí», comentó Dengaryu, el actor principal a PuntoLatino.

[Foto con Terutaro Osanaï, que ayuda para la promoción de la película en Europa, y con Hiroo Ishihara, colaborador de producción de Saudade.]




Liberdade: Un pobre Romeo y una rica Julieta, en el medio de las desigualdades sociales en Angola

(2011, Portugal, G.Abrantes y B.Crotty)


— Michaël Tuil de © PuntoLatino —

Liberdade cuenta la típica historia de un chico pobre llamado Liberdade que se enamora de una chica rica en la sociedad extremamente polarizada de Luanda en Angola. Ambos se sienten ajenos en su familia y comunidad, y felices sólo en su burbuja de amor, donde el cariño mudo es el idioma principal. Intentan en vano construirse una identidad juntos, en una sociedad que mezcla y enreda las identidades.

En 17 minutos, Liberdade ilustra un romance sobre un fondo de pobreza y de desigualdades sociales en esta ex-colonia portuguesa. Tiene una cierta poesía en las imágenes y en los sentimientos de los protagonistas que no necesita palabras. Esta poesía contrasta con la ilustración cruda de la sexualidad, de la impotencia masculina dentro de la relación amorosa y de la violencia armada.

Liberdade fue la ganadora de un premio en la categoría Pardo de domani (The Film und Video Untertitelung Prize).



Saya Zamurai: hacer reir ... hasta las lágrimas 

(Japón, 2011, H.Matsumoto)
 

— Michaël Tuil de © PuntoLatino —

Saya Zamurai es la tercera película del talentoso director nipón Hitoshi Matsumoto, después de Dai-Nipponji y Shinboru. Es su primer intento en el género del cine de samuráis, muy popular en Japón pero donde es difícil innovar por el grado de codificación de este género. Matsumoto intenta con sus armas favoritas, una mezcla de humor sutil y chiflado.

La película gira entorno a la temática del seppuku, el suicido ritual de hara-kiri. Para sustraerse a éste el samurai-sin-espada (interpretado por Takaaki Nomi) tiene 30 días para lograr un desafío nunca logrado hasta ahora: hacer sonreír al hijo del daimyo local, un señor de guerra feudal del Japón medieval, postrado desde la muerte de su madre. El samurai decaído tiene una tentativa cada día, que imagina con mucha ingenio y con la complicidad de su hijita y de sus dos carceleros.

Saya Zamurai es un caso raro de película donde uno se ríe a carcajadas durante toda la película, admirando los avispados intentos del samurai, y llora a mares en los últimos minutos. Pinta emociones de manera muy sutil, como lo saben hacer los filmes japoneses. Ésto, así como la autenticidad de Kazuo Takehara, la pequeña niña que interpreta la hija del samurai, conquistaron a los redactores de PL en la piazza grande de Locarno este día.
Dicho ésto, el punto más particular de esta película viene sin duda de su protagonista principal, Takaaki Nomi. Es la primera vez que Hiroshi Matsumoto no actúa en una película que dirige; en vez de escoger un actor profesional para el papel principal, Matsumoto apostó por Takaaki Nomi, un hombre sin enlace previo al cine, que Mastumoto había descubierto durante uno de sus programas de TV en el cual interactúa con gente de la calle. La naturalidad, la ingenuidad y el compromiso desinteresado de Nomi se revela por entero en el hecho de que él no sabía que se trataba de una película durante los primeros días de rodaje.





Mangrove: el fantasma del retorno a un pasado pesado
Un filme que se desarrolla en México  

(Suiza 2011, Frédéric Choffat, Julie Gilbert, 90 min., francés/español)


— Luis Vélez Serrano de © PuntoLatino —

Se dice que los buenos recuerdos duran muchos años y que los malos duran toda la vida. Cuan cierto sea esto dependerá de las vivencias de cada persona, pero los fantasmas que habitan en todo mortal a veces deciden hechos cruciales: volver al lugar donde ha sido asesinado el ser amado, ¿perdonar o no al autor del crimen asi sea nuestro propio padre?, ¿se puede olvidar un pasado agobiadoramente cruento?

Choffat y Gilbert han evocado –en algunas entrevistas publicadas por la prensa suiza en francés– el tema del duelo. Lo que se aprecia claramente es el programa narrativo de la protagonista, viaje y búsqueda de un objetivo. Viaje a un cierto pasado en el tiempo y al lugar que fue de una antigua querencia en el espacio geográfico. ¿Persiguiendo qué objetivo? ... ¿recordar u olvidar? ... quién sabe: la ambigua situación del duelo que hace que el objetivo sea un fantasma. El recuerdo del amor que fue, o el odio a quien le privó de ese amor....

La narración se apoya en los cuadros, la parte visual deja así una buena parte de la construcción al espectador, que con un lenguaje de sensaciones completan las posibles significaciones de los episodios elípticos de este relato. Mi colega notaba algún exceso de «fueras de foco». 

Las crónicas de la concepción y gestación del filme dan cuenta que lo exiguo del presupuesto de partida (unos CHF 50.000). Sólo la actriz principal es profesional. Lo demás lo hacen los habitantes del lugar.

Se trata de una joven europea vive con su padre al borde de una playa en una isla casi aislada del sud de México en el Pacífico: La Mangrove. La muchacha tiene amores con un joven pescador nativo de la isla y éste morirá acuchillado ... por el padre de la mujer. La mujer huye para regresar años más tarde acompañado de un niño, su hijo. Un retorno empujado por los fantasmas de un pasado pesado ...  





| FESTIVAL DE CINE LOCARNO 2011 |

Colombia busca coproducción en Locarno para 8 de sus largometrajes seleccionados


— Locarno 07.08.11., Luis Vélez Serrano de © PuntoLatino —

A pesar de una lluvia torrencial un numeroso público se dio cita a la exposición de cortes de ocho largometrajes colombianos en etapa de postproducción en la sección «Carte Blanche / Industrie Open Doors» del Festival Internacional de Locarno en su 64a edición. La presentación fue apoyada por el Ministerios de Cultura y de Exteriores de Colombia y la Embajadora colombiana en Suiza, Claudia Turbay estuvo en diferentes sesiones durante dos días.

Los filmes proyectados fueron «El diario de Ana» (Diego Guerra), «Edificio Royal» (Iván Wild), «Chocó» (Johnny Hendrix - foto abajo), «Corta» (Felipe Guerrero), «Jardín de amapolas» (Juan Carlos Melo), «La playa» (Juan Andrés Arango), «La sargento Matacho» (William González) y «Sin Palabras» (Ana Sofía Osorio y Diego Bustamante). 

El «Industry Open Doors» es una antesala de la coproducción de filmes del Festival de Locarno, desde 2003 apoya el cine de los países en vías de desarrollo y les colabora a encontrar socios de coproducción para sus proyectos cinematógraficos. 

Johny Hendrix y Maritza Rincón, exhibiendo los prospectos de PuntoLatino en Locarno. Johnny y Maritza son director y productora respectivamente de «Chocó».


Chocó es una mujer campesina, negra, de 23 años, desplazada de sus tierras por la violencia. Lleva a cuestas una familia de dos hijos menores de 9 años y a Everlides, su esposo músico que sólo sabe tocar marimba, beber guarapo y jugar dominó.

Chocó, obligada a rebuscarse la vida, trabaja por la mañana a orillas del río Atrato buscando oro y en la tarde lava ropa de otras familias para poder pagar los estudios de sus hijos; pero el dinero ahorrado por ella es gastado por Everlides en guarapo y apostando en el dominó.

Después de muchos maltratos físicos, sexuales y demás humillaciones por parte de su marido, Chocó decide entregar su cuerpo a cambio de dinero al paisa Ramiro, dueño de la tienda del barrio, con la excusa de comprar la torta para su único hijo varón, Ken, quien ese día cumple 8 años.

Este hecho desencadenará la rabia de Everlides y cambiará la historia de Chocó.
[Fuente: antorchafilms]


El año del Tigre: el retrato de una catástrofe

(Chile 2011, Sebastián Lelio)


— Stephanie Welter de © PuntoLatino —

El terremoto y tsunami que devastaron las tierras chilenas el 27 de febrero del 2010 sirvieron de inspiración y escenario para la película del director Sebastián Lelio, presentada como première mundial en la edición 64 del Festival de Locarno.

Esta producción que juega con las fronteras entre el documental y la ficción fue concebida después de que el director y sus colaboradores se sintieran conmovidos por las noticias que se desenvolvían al rededor de la catástrofe. Una de estas noticias contaba la historia de varios presos quienes, tras el terremoto y el derrumbe del sitio donde los mantenían presos, encuentran una oportunidad para evadir su condena. Sin embargo, la fuga de varios de estos convictos concluye en su retorno voluntario a la prisión.

En estos hechos se basa la historia de Manuel (Luis Dubo), quien se encuentra en una prisión del sur de Chile cuando se produce el terremoto. Al igual que varios otros presos, Manuel encuentra la oportunidad en medio del caos para escapar, huyendo de una prisión para encontrarse en otra: la de su propia existencia.

Escondiéndose de la policía, el personaje recorre los crudos paisajes que ha dejado el terremoto para llegar finalmente a las regiones costeras, devastadas por el tsunami. Es en este lugar donde encuentra los restos de lo que antes había sido su vida, donde habían vivido su esposa y su hija. La escena es desoladora. Sus seres queridos, como los de muchos otros, fueron arrancadas por las fuerzas del mar. También su madre es víctima de la catástrofe, cuyo cuerpo Manuel encuentra sin vida y se esfuerza por enterrar.

Al encontrarse solo entre los escombros emprende una excursión en búsqueda de ese algo, de esa identidad que pierde quien es víctima de una catástrofe de tal naturaleza. En su camino se producen encuentros inesperados. Entre ellos se recoge el hallazgo de un tigre de circo, el único sobreviviente entre los restos del tsunami. Gracias a la ayuda de Manuel, el tigre es otro más de aquellos que escapa su cautiverio después del terremoto. Este hecho y la naturaleza solitaria y agresiva del personaje traza un paralelo entre el animal y nuestro personaje. Para ambos la libertad recientemente adquirida culmina pocas escenas después, uno por medio de un disparo, otro por su entrega voluntaria a las autoridades.

Las fronteras entre ficción y realidad se hacen borrosas en esta producción de Lelio donde algunos escenarios han sido improvisados, otros han sido los recientes restos de lo que dejó la fuerza de la naturaleza ese febrero del 2010. Tanto la historia de los presos como la del tigre que sobrevive el tsunami hacen parte de las noticias que se reportaron en aquél entonces. La historia de Manuel es producto de la imaginación.

Por otro lado, el título de la obra hace referencia al calendario chino. El año del tigre según la tradición china demostró ser uno de los años con catástrofes de gran magnitud, como fue, por ejemplo, el terremoto de Chile o el que destrozó Haiti. Esto implica que las escenas de la película ilustran el caso chileno. Sin embargo, las escenas pueden pasar por extensión a representar cualquier lugar que sufra una catástrofe parecida.

Como afirma el equipo, la intención inicial de la película era “capturar algo que no se sabía muy bien que iba a ser”. Para llegar a la esencia de la obra era necesario empaparse de esa cruda realidad que vivía el pueblo chileno. De esta manera se generó un desafío: el de captar algo vivo. El terremoto que golpeó a Chile tuvo una intensidad de 8.8 grados en la escala de Richter y ha sido uno de los más fuertes de la historia. La película se produjo como el resultado de la búsqueda de respuestas entre la conmoción y el sufrimiento.





Maicling pelicula nañg ysañg Indio Nacional (A short film about the Indio Nacional): una reconstrucción histórica

(Filipinas 2005, Raya Martin)


— Stephanie Welter de © PuntoLatino —

En esta película se proyecta en 96 minutos la lucha que condujeron pueblos originarios filipinos a finales del siglo XIX por su independencia ante el dominio español. El cine mudo y las imágenes blanco y negro tienen como fin transportarnos a épocas míticas y hacer una reconstrucción histórica de este importante episodio de la historia de este archipiélago. Las escenas yuxtapuestas de carácter prolongado asumen el papel de imágenes plagadas de elementos simbólicos, donde se intercalan episodios de la tradición filipina, escenas del surgimiento del movimiento revolucionario y elementos trágicos de la lucha de un pueblo por su libertad.

En el proceso de reescritura de la historia, la producción de Rayan Martin hace uso de la analepsis para representar el hecho de que nuestro presente sea el resultado de nuestro pasado. La escena que da inicio a la película tiene lugar en el tiempo actual y se diferencia del resto de la obra por ser a color y por estar compuesta por el diálogo entre dos indígenas filipinos de nuestros tiempos.

En esta primera parte de la película vemos a una mujer que no encuentra la calma para conciliar el sueño y despierta a su compañero para que le cuente una historia. En el trasfondo oímos los animales de la noche, los perros, pero también las campanas de la iglesia. El hombre, para calmar a la mujer, se levanta y le cuenta uno de los mitos indígenas que recoge la historia del país y una interpretación del presente de éste. Su contenido es conmovedor, lleno de tristeza y encarna el prolongado sufrimiento de los filipinos, el cual permanece plasmado en la obra de Martin.

Desde el punto de vista antropológico, la película refleja la búsqueda de la identidad de los indígenas del archipiélago. Por medio de los recuadros pausados se nos permite como espectadores apreciar el choque de culturas que generó la época de la colonia española. De esta manera podemos observar cómo diversas costumbres de la cultura occidental fueron adoptadas y adaptadas a las tradiciones aborígenes. Así, por ejemplo, reconocemos el fuerte contraste entre las costumbres originarias y la patente religiosidad introducida por los europeos. El filipino que se encuentra ilustrado en la obra de Raya Martin es uno que quedó atrapado entre sus propias costumbres y las impuestas por la hegemonía española.




Señorita: una denuncia a la corrupción

(Filipinas 2010, Vincent Sandoval)


— Stephanie Welter de © PuntoLatino —

La obra de Vincent Sandoval fue presentada como première mundial en el Festival de Locarno bajo la rúbrica “Concorso Cineasti del presente”. Cabe resaltar el significativo contraste entre la película de este director y Maicling pelicula nañg ysañg Indio Nacional (A short film about the Indio Nacional), una producción del mismo país. Mientras la segunda refleja los conflictos del pasado y se enfoca en la población aborigen influenciada por la época de la colonia española, Señorita muestra los rastros del dominio estadounidense y se concentra en la actualidad.

La obra recoge la historia de Sofia (Vincent Sandoval), un travesti que busca huir de Manila y de una vida de prostitución instalándose en un pueblo lejos de la caótica capital. Sin embargo, una vez cada tanto se siente atraído por su vida alternativa y emprende el viaje a la gran ciudad donde toma otro nombre y otro papel sumergiéndose en una vida que nadie en el pueblo conoce.

De este punto de partida se desarrollan una serie de opuestos: la vida del pueblo frente a la de la ciudad, la vida de Sofia frente a la de Donna (las dos identidades del personaje principal), el poder de los ricos ante la impotencia de los pobres y, finalmente, la honestidad frente a la corrupción.

A pesar del esfuerzo de Sofía por mantener sus dos vidas aisladas la una de la otra, la vida de la ciudad viene a buscarla a través de unas elecciones por la alcaldía del pueblo. Los candidatos por el puesto son, por un lado, un honesto médico que busca cambiar la naturaleza corrupta de la región y, por otro lado, una marioneta de Verano, un deshonesto personaje que representa el pasado de Sofía en Manila.

Es de esta forma como Sofia se encuentra atrapada entre los dos mundos que habita. Esto provoca que intente luchar contra la corrupción cayendo en el error de combatirla por medio de la misma.

Señorita es una intrigante historia donde se desarrollan diferentes problemáticas de la actualidad del país.


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