cine fiff log200x113| CINE FESTIVALES | FRIBURGO |

Festival Internacional de Cine de Friburgo 2014

Del 29.03., al 05.04.14. Diferentes salas de FRIBURGO

En competición internacional se encuentran 12 películas, entre ellas, 3 de América Latina:

— Lock Charmer de Natalia Smirnoff (Argentina 2014),
— Pelo Malo de Mariana Rondón (Venezuela 2013) y
— To Kill a Man (Matar a un hombre) de Alejandro Fernández Almendras (Chile 2013). Los tres citados filmes son «Première» en Suiza.

En el Jury estuvo compuesto por 5 miembros, entre ellos, dos latinoamericanos: Alejandro Farel (Argentina) y Daniela Michel (México).

 

Matar a un hombre (Chile 2013)

El premio especial del Jurado, de un valor de CHF 10'000.– ha sido atribuído a «Matar a un hombre» (To Kill a Man) de Alejandro Fernández Almendras (CHILE). El Jurado ha reconocido que el joven realizador con su puesta en escena ha logrado darle envergadura a una historia simple, son el estilo que le caracteriza.

 

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fernandez alejandro180x180Sinopsis en español

El tercer largometraje de Alejandro Fernández, Matar a un hombre, narra la historia de Jorge, un hombre común, padre de familia, quien es asaltado por un conocido delincuente del barrio al regresar del trabajo a su casa. Su hijo decide encarar al ladrón con la intención de recuperar lo robado, pero este reacciona violentamente y le dispara dejándolo gravemente herido. El delincuente es condenado a una poco significativa pena de prisión, y al salir comienza a amenazar y acosar a Jorge y su familia sin que la policía tome medidas concretas para protegerles. (Fuente: FILMAFFINITY)

Alejandro Fernández Almendras La película 'To Kill a Man' (Matar a un hombre), dirigida por el chileno Alejandro Fernández Almendras, se ha alzaddo con el Gran Premio del Jurado de la trigésima edición del Festival de cine de Sundance, en la categoría de la Competencia World Cinema Dramatic. Y ahora se alza el Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Friburgo. Crítico de cine, fotógrafo y periodista, Fernández Almendras ha dirigido varios cortometrajes, entre ellos 'Lo Que Trae la lluvia', que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Su primer largometraje, 'Huacho', ganó el Premio Internacional Cineasta Sundance/NHK y se estrenó en la Semana de la Crítica en el Festival de Cine de Cannes 2009. La película ganó el premio a la mejor ópera prima en La Habana, mejor película en el Festival de Cine de Viña del Mar, y mejor director en el Festival de Cine de Punta del Este. 'Sentados frente al fuego', su segundo largometraje, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 2011 y ganó el premio del jurado en el Festival de Cine de Toulouse (Latinoamérica).

 

Synopsis en français

Jorge est un homme qui travaille dur. Il gagne tout juste de quoi couvrir les premières nécessités de sa famille. Malgré sa piètre condition, il est pourtant un jour attaqué par Kalule, un voyou du quartier. Son fils aîné décide d'affronter l'agresseur, mais celui-ci lui tire dessus et le blesse grièvement. Kalule est alors arrêté, mais condamné à seulement deux ans de prison. À sa sortie, le père promet de se venger...

Écrit par Alejandro Fernández Almendras, To Kill a Man s'attaque au sujet délicat de la vengeance. Sélectionné par l'Atelier de la Cinéfondation au Festival de Cannes 2012, vainqueur du prix Carte Blanche à Locarno et sélectionné au Films in Progress à San Sebastián, il faut croire que son approche a séduit. Il a poursuivi son parcours et vient de remporter le grand prix World Cinema du Sundance Film Festival 2014. Thierry Jobin

Né au Chili en 1971, Alejandro Fernández Almendras a d'abord suivi des études de journalisme à l'Université du Chili, avant d'apprendre la réalisation à New York. Critique de cinéma, photographe, auteur de clips musicaux, il a signé des courts métrages dès 2006. To Kill a Man est son troisième long métrage après Huacho (Semaine de la critique, Festival de Cannes 2009) et Sentados frente al fuego (2011).

 

Auf Deutsch

Jorge arbeitet hart, doch mit seinem Verdienst kann er gerade nur knapp die Grundkosten für seine Familie decken. Obwohl bei ihm nichts zu holen ist, wird er von dem Gauner Kalule überfallen. Jorges älterer Sohn sucht die Konfrontation mit dem Angreifer. Dieser schiesst auf den Jungen und verletzt ihn schwer. Kalule wird zu zwei Jahren Haft verurteilt. Nach seiner Freilassung sinnt der Vater auf Rache...
In To Kill a Man nimmt sich Alejandro Fernández Almendras dem heiklen Thema der Rache an. Sein damals noch nicht fertiggestellter Film wurde 2012 vom Atelier de la Cinéfondation in Cannes und von Films in Progress in San Sebastián selektioniert. In Locarno gewann er den Carte-Blanche-Preis. Diesen Januar gewann er am Sundance Film Festival den World Cinema Jurypreis für den besten ausländischen Spielfilm. Thierry Jobin

Der 1971 geborene Chilene Alejandro Fernández Almendras hat zuerst an der Universität von Chile Journalismus und später Regie in New York studiert. Er arbeitet als Filmkritiker und Fotograf, dreht Musikvideos und seit 2006 auch Kurzfilme. To Kill a Man ist sein dritter Langfilm nach Huacho (Semaine de la critique, Filmfestspiele von Cannes 2009) und Sentados frente al fuego (2011).

 

 

 

La Reina (Argentina 2013)

El premio al mejor cortometraje se llevó el documental «La Reina» de Manuel Abramovich (Argentina, 2013). El premio es de CHF 7500.–. El Jurado ha querido saludar un trabajo remarcable de puesta en escena que sumerje completamente al espectador en la dura realidad de un niño al que se le roba su juventud. 

 

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abramovich manuel300x300Español

Es carnaval, en algún lugar en un pueblo de Argentina. Memi, de once años, se está preparando para ser la reina del carnaval, un honor deslumbrante acompañado de trajes, lentejuelas y un magnifico tocado. " La corona es enorme, pesa 4 kilos y tiene cristales y ametistas", la madre de Memi explica con orgullo. Mientras la madre de Memi y sus amigas se vuelven locas de emoción, Memi está tensionada. La cámara sigue de cerca a la joven. Ella es estoica – real, incluso – mientras sufre las atenciones de los adultos que están siempre fuera de pantalla. El rostro de Memi traiciona nada, pero sus ojos dicen mucho, como cuando su madre ensalza las virtudes de spray para el cabello que contiene el anestésico Lidocaina. En este caso está claro que tienes que sufrir si quieres ser bella - una lección que Memi aprendió desde el principio. La cámara captura la mezcla de miedo, orgullo y resignación en la mirada de Memi. " Memi, un poco más fuerte?", pregunta su madre y la joven responde: "No sé, no siento más mi cabeza." [Fuente: Embajada de Argentina en Paises Bajos].

Manuel Abramovich, nació en Buenos Aires en 1987. Estudió dirección de fotografía en la ENERC. Su primer cortometraje, ¿Puede usted contar la historia de su heladera? (2009), fue premiado en el concurso Georges Méliès y participó en varios festivales internacionales. Fue seleccionado para participar en el Berlinale Talent Campus 2012. [Fuente: BAFICI]

  

Français

«Sa couronne est tellement lourde qu'ils ont dû enlever des ornements. Elle ne pouvait pas la porter. Ça aurait glissé de sa tête. Mais maintenant, elle ne veut plus qu'on la change parce qu'elle est très jolie avec». Perdue dans un monde d'adultes et piégée dans sa routine, Memi est déchirée entre le glamour du concours de beauté et la pression que sa famille excerce sur elle pour qu'elle devienne la reine du carnaval à tout prix.

Manuel Abramovich est né en 1986 à Buenos Aires, où il a fait des études de chef opérateur. Il travaille comme réalisateur de documentaires et comme chef opérateur. Il a réalisé plusieurs courts métrages et termine actuellement son premier long métrage Solèy, sélectionné à la IDFA Summer School 2012 et financé par le INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales). En 2012, il a fait partie du Berlinale Talent Campus.

 

Deutsch

«Weil ihr die Krone bei dem Gewicht glatt vom Kopf fallen würde, müsste man gewisse Elemente entfernen. Aber weil sie sich so gut damit gefällt, will sie nicht, dass man etwas daran verändert.» Memi ist in ihrem durchstrukturierten Alltag und der Erwachsenenwelt gefangen. Sie steht zwischen dem glamourösen Schönheitswettbewerb und dem Druck ihrer Familie, die unbedingt will, dass sie Karneval-Königin wird.

Manuel Abramovich wurde 1986 in Buenos Aires geboren, wo er später Kamera studierte. Er arbeitet als Regisseur und Kameramann von Dokumentar- und Spielfilmen. Nach diversen Kurzfilmen dreht er derzeit seinen ersten langen Dokumentarfilm Solèy. Dieser wurde 2012 von der IDFA Summer School ausgewählt und vom INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) mitfinanziert. 2012 nahm er am Berlinale Talent Campus teil.


 

Dada la presente situación en Venezuela Pelo Malo transciende las fronteras censuradas

— Nota de Michèle Bigler de © PuntoLatino —

Pelo malo es la última obra de Mariana Rondón que cierra una trilogía sobre Venezuela («A la media noche y media» y «Postales de Stalingrado» serían las dos primeras). Lo particular de dicha serie es que opta por protagonistas infantiles. En «Pelo Malo» conocemos a Junior, un chico de nueve años con cabello rizado que vive en unos bloques grises y enormemente monstruosos en la cumbre de la pobreza con su madre y hermano pequeño. Los compañeros de Junior incluyen a su abuela juguetona quien le alisa el pelo a escondidas, una amiga que sueña con ser reina de belleza y un ambulante que le regala cerillos y parece ser objeto de obsesión de Junior. Es en ese espacio que el protagonista debe enfrentarse a varios obstáculos día tras día: violencia, racismo y el acoso constante de su madre dada su aparente inclinación a la homosexualidad.

Pelo Malo es, sin lugar a dudas una obra de crítica social, aunque fue originalmente destinada para una audiencia venezolana, ha viajado de festival a festival desde América a Europa cautivando a diversos públicos que se han sentido identificados con los múltiples diálogos que abre la película. La clave de su éxito reside en el hecho de que Pelo Malo es una obra global que contempla las distintas caras del ser humano y las misceláneas formas en que cada individuo se enfrenta a la adversidad como por ejemplo: la crisis de identidad, la falta de recursos económicos o ante la violencia sin llegar a conclusiones determinadas. Es el papel del espectador de analizar y reaccionar ante los discursos que pueblan el film e inclusive promueve la introspección propia: verse a si mismo antes de juzgar al prójimo. Mariana Rondón logra presentar una serie de frustraciones detrás de la divertida idea de Junior y de su amiga de modificar la foto escolar -su amiga por un lado se disfraza de reina de belleza y Junior de cantante famoso con traje blanco y de pelo lacio. No es de sorprender que la obra haya ganado la Palma de Oro en San Sebastián y sea tan bien acogida por los espectadores. Dada la presente situación en Venezuela Pelo Malo transciende las fronteras censuradas e invita al público internacional a observar la realidad del país.

Michèle Bigler de © PuntoLatino


 

Un distinto enfoque a la violencia en «Matar a un hombre»

— Nota de Michèle Bigler, redactora de © PuntoLatino —

Matar a un hombre de Alejandro Fernández Almendras añadió el premio del jurado en el festival de cine de Friburgo a su lista de trofeos. Basada sobre hechos reales, la historia sigue a Jorge -un trabajador diabético de pocos recursos- y su familia que se encuentra en una situación desafortunada: vive en un estado de acoso constante por un malhechor llamado Kalule. La historia comienza con un asalto, en el cual un delincuente ya entrado en sus años asalta a Jorge privándolo de su insulina, dado que no encontró nada de mayor valor en su posesión, pues Jorge es una de las muchas víctimas de la clase media baja.

Cuando el hijo de Jorge toma la iniciativa de ir a recuperar los medicamentos de su padre se encuentra en el hospital tras recibir un balazo por parte del mismo Kalule. Como consecuencia el agresor debe servir unos años en la cárcel donde jura venganza. Tras su liberación Kalule busca su revancha: hacer sufrir a Jorge y a su familia se convierte en su primer objetivo. A lo largo del tiempo la unión familiar se va deteriorando paulatinamente ante las agresiones de Kalule. Jorge, su mujer y dos hijos se encuentran perdidos en el pozo burocrático que no parece poseer o querer tener la capacidad de auxiliarlos.

La comisaría de policías toma nota de incidente tras incidente, pero no interviene a favor de la familia. Los informes de la policía son archivados y el caso se mantiene estático mientras que Kalule goza al torturar a Jorge día tras día. Así es que cada individuo de la familia perdura encuentros violentos con Kalule en los cuales crecen cada vez más las raíces del terror en ellos a tal nivel que les es imposible salir a la calle sin mantenerse en estado constante de alerta. ¿He ahí el núcleo ideológico de la película: ¿cuánto puede aguantar un ser humano ante la violencia cuotidiana, si el sistema de justicia labora en contra de los derechos de uno? ¿Cuáles son los límites? Y ¿Es posible que las circunstancias justifiquen el acto?

Cada uno tendrá su propia interpretación, sin embargo al cierre del filme el director respondió a algunas preguntas del público y precisó que su obra íntima sobre las decisiones que uno toma ante circunstancias terroríficas y más esencialmente la estética de la violencia en el cine en general. Proclamó que la industria cinematográfica suele justificar crímenes sin tomar en cuenta las consecuencias. Por ello admitió haberse focalizado en la potencia de la realidad que se pierde en el cine por las escenas sanguinarias que uno se acostumbra a ver en la pantalla.

El disturbio en la película es implícito, no se necesitan tomas violentas en los cuales uno es testigo del mínimo detalle sangriento para entender el grado de brutalidad. Ello se distingue más en el terror de los personajes ante el peligro. Para Alejandro, el detalle de no rodar escenas truculentas es el complemento transcendente de la obra, dada la contaminación de escenas violentas propias de la industria cinematográfica en la vida real. Esto lo explicó con el ejemplo de una anécdota personal sobre su experiencia en Nueva York ante la tragedia del 11 de septiembre en el 2001. Alejandro admitió que permaneció marcado por los comentarios de la población que comparaba el suceso a una escena de una película.

La incapacidad del individuo moderno de separar lo que ve en una pantalla y lo que vive es turbulento porque cuando se borran las líneas entre ficción y realidad radica una equívoca tendencia a justificar la violencia. Así es que «Matar a un hombre» envuelve una crítica en torno a la corrupción con un enfoque sobre los propios límites de tolerancia en el individuo tanto como el cargo de conciencia de cada persona tras cometer un crimen. En correspondencia a ello Alejandro Fernandez Almendras nos dejó con la siguiente introspección: «No somos asesinos por naturaleza, por lo menos no de manera natural, el acto se convierte en algo físicamente insoportable».

«Matar a un hombre» es una historia que se aproxima a espacios muy íntimos y obscuros del ser humano que conducen a la corrupción. Cuestiona nuestra sociedad tanto como sus valores a fin de obrar en contra de la idealización de la violencia y presentar otras dimensiones de su lamentable existencia. Por todo ello y su portentosa producción, la larga lista de elogios internacionales no son de sorprender, es una obra de gran calidad, a no perdérsela.


 

 

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Historias extraordinarias: de la hoja a la pantalla

— Nota de Michèle Bigler, redactora de © PuntoLatino —

Alejandro Fadel, (miembro del jurado del festival de cine de Friburgo 2014) ganó un premio especial por su película «Los salvajes» el año pasado (2013). Al serle ofrecida la opción de seleccionar una película para la sección de obras del jurado internacional, en lugar de escoger una obra propia decidió presentar al público del festival con la gran oportunidad de ver y vivir las «Historias Extraordinarias» de Mariano Llinás profesor, mentor y director de la película en la cual Alejandro Fadel trabajó como asistente.

Lo que a un principio se desarrollan como tres historias separadas sobre tres hombres indefinidos termina cediendo plaza a un desemboque de relatos intercalados con interlocutores encontrados en el camino. Los hilos principales de la cinta siguen, en primer lugar, a un tal X, testigo y cómplice de un asesinato. X se encuentra refugiado por la mayoría de la historia en un cuarto de hotel. Allí observamos la fuga estática de quienes lo puedan vincular con el crimen. A lo largo de su estadía desarrolla teorías algo paranoicas en torno a los sucesos que condujeron al asesinato de un desconocido al igual que a las vidas, acciones y movimientos de los individuos que observa al exterior del hotel.

El segundo plano narrativo relata la historia de Z, un personaje que viaja a un cuidad de provincia a reemplazar a un antiguo gerente llamado Cuevas y termina siguiendo las huellas de su predecesor a modo de caza de tesoro. A forma similar de X, Z fabrica especulaciones sobre la vida secreta de Cuevas gracias a elementos que va descubriendo a lo largo que se desenvuelve la historia. Al seguir las huellas que dejó atrás Cuevas, Z se tropieza con una serie de personajes seductores que irán ganando su corazón mediante su aventura por la búsqueda de la fortuna de Cuevas.

En tercer lugar, conocemos a H, un joven humilde que es contratado para viajar por un río y fotografiar una serie de monolitos que pueblan los alrededores del río. Lo que aun H identifica como un trabajo extraño pero una forma fácil de ganar dinero se convierte en una aventura a lo Huckleberry Finn (de Mark Twain) en la cual se tropieza con César un hombre a quien igualmente han contratado para buscar los monolitos, sin embargo, no para tomarles fotos, al contrario, a fin de que destruya cualquier evidencia de su existencia. Los dos hombres deciden asociarse y viajar juntos. Será en su traslado por el río que prevalecen una serie de acontecimientos legítimamente fuera de lo ordinario.

Si bien las tres historias no se cruzan, hay un telón de fondo temático que las ensambla: la predisposición al afán de construir teorías que corresponden a la existencia de una conspiración o por lo menos un acto extraño dentro de sus quehaceres. Las tres historias manejan espléndidamente lo que se ha dado a conocer como la paranoia postmoderna. Por lo mismo «Historias extraordinarias» se podría categorizar como parte del cine referencial, hecho poco inevitable en el arte de hoy en día, no obstante su composición intermediática y polifónica demuestran una creatividad honestamente innovadora.

Ello se distingue en la narración excepcional (voice-over) o más en concreto gracias al humor carismático del narrador que parece tener un trato personal con la audiencia: adelanta episodios con informes de lo que va a seguir pero pide paciencia porque aún no se ha llegado ahí. Juega con los espectadores soltando bromas, anécdotas y manipulando la información. Los brincos narrativos abundan en una obra que gira de una historia a otra al mismo tiempo que entreteje paréntesis de larga duración. La película distorsiona la estructura tradicional del tiempo, una de las indicaciones más claras de ello se puede percibir en su duración poco común en el cine de nada más y nada menos que 245 minutos.

Por ello mismo, los aficionados a la literatura verán en «Historias extraordinarias» una coexistencia entre el cine y la literatura, una obra que intercala distintos medios artísticos propios del llamando cine nuevo argentino. «Historias extraordinarias» es una narración acompañada de imágenes, paisajes, un perfil visual de los personajes, música y diálogos (aunque escasos existentes).

Uno (por lo menos yo) tiende a decepcionarse ante adaptaciones de libros a la pantalla grande, ello se debe muy probablemente al hecho de que la literatura tiene un pacto implícito con el lector en el cual el mismo lector es autor en cuanto a la interpretación del libro. Por más que el autor rasguea sus personajes, el lector los imagina y les cede una cara. El consolidar una obra como «El gran Gatsby» con una imagen fija de su protagonista Gatsby con Robert Redford o la más reciente versión con Leonardo DiCaprio le roba algo a la imaginación del lector. No es decir que las adaptaciones no tengan su mérito, simple y llanamente fijan una visión a historias que originalmente poseían infinitas posibilidades.

«Historias extraordinarias» escapa esa categorización porque no es ni literatura ni cine puro, al contario logra concretizar una bella relación entre ambos campos en la cual el espectador vive cada momento sin preocuparse mucho por el avance del tiempo. Al concluir las cuatro horas de cinta, me quede con la extraña sensación que surge al terminar una novela: el no querer ni creer que la historia haya llegado a su fin y el atrevido entretenimiento de posibles esboces de su continuación. Historias extraordinarias es un filme para los cinéfilos y lectores prolíficos; aquellos que gozan al escuchar y leer historias alrededor de una fogata en el bosque.


 

 

cine cerrajero300x429El Cerrajero (Natalia Smirnoff, Argentina) compite en el festival internacional de Friburgo


— Alexandre Ramos-Peon, redactor de © PuntoLatino, 13.04.2014 —

En una cinta modesta tanto por su duración como por su sencillez narrativa, "El Cerrajero" hechiza con toques carismáticos de realismo mágico particularmente bien adaptados a la pantalla. La sensibilidad poética de su realizadora, su música hipnotizante, su sentido del humor, se combinan con armonía en esta historia de búsqueda espiritual cargada de simbolismo y ternura.

 

Segunda Producción de Smirnoff

Se trata del segundo largometraje de Naralia Smirnoff (Buenos Aires, 1972). Su primer película tuvo un éxito notable en la Berlinale y en el Cartagena Film Festival. Éste segundo filme no ha tenido la suerte de llevarse ningún premio en Friburgo, posiblemente por su modestia y sencillez en una competencia poblada por obras con más carga sicológica e intensidad, lo que ha siempre llamado la atención de los jurados. Sin embargo música, puesta en escena y simbolismo se conjugan para lograr un pequeño poema de claro valor artístico.

 

Sinópsis

La película de solo 77 minutos sigue la vida de Sebastián, cerrajero en Buenos Aires, durante los "días de humo" que sofocaron la ciudad en el 2008. El humo nauseabundo que cubrió la ciudad por semanas en esa época era un tanto anormal: las autoridades no lograban explicar con certeza su naturaleza, y las teorías sobre su origen circulaban en las calles a modo de rumor. Es en este escenario de incertidumbre y de misterio que Sebastián, un joven que parece temerle al compromiso y a las relaciones de largo plazo, y cuya vida sencilla de cerrajero soltero parecía hasta entonces haber transcurrido sin sobresaltos, vive una doble transformación. Su amiga o medio-novia le anuncia que está embarazada, y le confiesa que no está segura si él es el padre. Es con esta nueva preocupación que Sebastián se descubre un don: cuando repara cerraduras, "entiende" ciertas intimidades de sus clientes y no puede contenerse de decirles sus verdades, de una manera cruda y frecuentemente hiriente. Este don sobrenatural, junto con la incertidumbre y novedad de una posible paternidad no del todo deseada, interfiere con la vida banal de Sebastián, quien ocupa sus tiempos libre en reparar o construir cajitas musicales hechas con fragmentos de cerraduras, cuya música invade la película.

Existe en la historia una doméstica peruana, que por motivos circunstanciales se ve obligada a instalarse con el cerrajero después de una intervención poco atinada de éste al abrir la cerradura de su patrón. Contrariamente a Sebastián, quien rechaza y reniega de sus propios dones, la peruana encarna la creencia en lo sobrenatural y en la magia, y se invita en su vida privada, transformándolo en modos que él no habría sospechado. La música hipnotizante de las llaves nos sigue acompañando mientras vemos como dentro de la persistente neblina porteña, Sebastián descubre su incapacidad de admitir su responsabilidad como padre, su torpeza con los que lo rodean, su absurda obsesión por las cajas musicales, y finalmente su inesperada tristeza al descubrir que su novia ha decidido hacerle caso e interrumpir su embarazo.

 

Poesía discreta

Me parece que varios pasajes anecdóticos de la película parecen revelar, o denunciar, la pobreza de comunicación que existe entre los hombres, ya sea por la ineptitud verbal a la que estamos acostumbrados en nuestras sociedades herméticas o por el miedo de decirse la verdad unos a los otros, y las dificultades innecesarias y torturas sicológicas a las que éstos nos conducen. El compromiso, la paternidad, el aborto: temas delicados abordados con originalidad, sencillez y buen humor, sin caer en lugares comunes y sobresimplificaciones. Ecos entre la música y las obsesiones del protagonista, guiños entre las llaves de cobre que abren puertas físicas y las que abren un entendimiento de orden espiritual, la exploración de los límites de la intimidad y de lo privado, y demás metáforas confieren a "El Cerrajero" una dimensión poética encantadora y refrescante. Sin decirlo explícitamente, Smirnoff parece estar además sugiriendo, con la metáfora de la melodía justa pero sencilla de la caja musical que simplemente no logra conseguir, lo absurdo de la manera en que luchamos por darle dirección a nuestras vidas.


 

 

 

 

michele alex600x450Exito latinoamericano en la Clausura del Festival Internacional de Cinema de Friburgo

— Nota de Alexandre Ramos-Peon, redactor de PuntoLatino, 13.04.2014 —

El Festival Internacional de Cine de Friburgo (FIFF, http://www.fiff.ch/) ha terminado. Durante una semana, del 29.03 al 05.04, las salas de Friburgo acogieron a más de 37 mil espectadores, haciendo de esta vigésima octava edición la más exitosa y concurrida de la historia del Festival. El sábado 5 de abril se llevó a cabo la ceremonia de clausura, en donde los distintos jurados otorgaron varios premios, dotados de un total de CHF 71'500.–, y en la cual las producciones latinoamericanas tuvieron una presencia destacada. Vease tambien el articulo ya publicado en ( http://www.puntolatino.ch/es/cine-1/cine-festival-friburgo-fiff-2014), con las sinópsis de los filmes ganadores. [Foto: Michèle Bigler y Alexandre Ramos, acreditados de PuntoLatino en el Festival]

 

Exito Latinoamericano

Tres de las doce películas participantes en la competencia internacional de largometraje son latinoamericanas. Una de ellas ganó dos premios importantes. El Premio Especial del Jurado (Prix Spécial du Jury) se lo llevó "Matar a un hombre", del chileno Alejandro Fernández Almendras. Este premio, otorgado por la Société Suisse des Auteurs (SSA) y elegido por el jurado internacional, está acompañado de un monto de CHF 10'000.– y "reconoce la inventividad del escenario y de la producción, la renovación del lenguaje cinematográfico, o la audacia temática y formal". En la entrega del premio, el jurado quiso recompensar a "un joven cineasta, que a través de la mise-en-scene, ha logrado dar cierta envergadura a una historia sencilla con esta firma que lo caracteriza". Además, el Jurado FICC (Federación Internacional de CineClubes), ha elegido a Fernández Almendras para su Premio Don Quijote, y ha discernido una mención especial a Mohammad Rasoulof por su escalofriante crítica (Manuscripts don't burn) a la corrupción y violencia que acompañan la censura oficial en Irán. Sobre las otras dos producciones latinoamericanas en competencia, "El cerrajero" y "Pelo Malo", véase las notas separadas en PuntoLatino.

El segundo gran éxito latinoamericano fue en la sección de cortometrajes. Esta es la primera edición del Festival que incluye una competencia internacional de cortos de no más de 30 minutos. Dieciocho cintas, de quince países, compitieron por el premio del mejor cortometraje, dotado de CHF 7500.-, finalmente conseguido por el argentino Manuel Abramovich. El jurado reconoció al director de "La Reina" por su "trabajo notable de puesta en escena que sumerge totalmente al espectador en la cruda realidad de una niña a la cual le roban su juventud". En efecto, en este documental Abramovich filma únicamente en primer plano a Memi, apenas una niña, mientras su madre y familiares, a los cuales solo podemos escuchar, alistan con frivolidad su disfraz y corona, cuyo porte le causa dolores insoportables; poco importa el sufrimiento de la niña cuando el prestigio de su familia está en juego.

 

Premio del Publico

Hasta ahí la presencia latinoamericana en la ceremonia. Hubo muchos premios más, y quisiera empezar con uno más polémico. El Banco Cantonal de Friburgo cedió un premio de CHF 5'000.– a una película elegida por el público. En efecto, durante toda la semana, los espectadores pudieron votar mediante una boleta que les era entregada antes de la proyección, en el más puro espíritu suizo. El público ha elegido a "The Square", de la realizadora egipcia Jehane Noujaim. Se trata de un documental sobre los movimientos sociales de la plaza Tahir, pero sobre todo de la participación de los jóvenes, de la solidaridad y hermandad entre inconformes que buscan justicia y nuevo orden social, de cómo se vive una revolución por dentro a través de los lazos humanos que ahí se crean. Se trata ciertamente de un documental de carácter político y presenta, a mi modo de ver, escaso valor artístico; sin embargo las reacciones que puede despertar en nosotros los espectadores, sensibles a la actualidad política del medio oriente, puede explicar el éxito de este documental al fin de cuentas ordinario, que ha sabido conquistar en el pasado casi únicamente premios del público: Prix du Public en Sundance, Public Choice Award en Toronto, o incluso nominaciones al Oscar de documentales (!).

 

Los otros grandes ganadores

En un espirito más artístico, el premio principal del jurado, el "Regard d'or", dotado de CHF 30'000.–, fue entregado al coreano Lee Su-Jin por su largometraje Han Gon-Ju, que cuenta el abandono de una joven estudiante implicada en una sórdida historia y las terribles secuelas que ésta implica. El jurado explicó su elección de esta manera: "Atribuimos el Regard d'Or a un filme denso, una historia fragmentada reconstruida brillantemente por el director. Una película admirablemente dirigida, que pone en escena tanto estudio sicológico como análisis social." En efecto Han Gon-Ju es particularmente intensa y angustiante, como mucho del cine coreano reciente; el énfasis absoluto en el personaje de Han Gon-Ju, que no escapa a ninguna escena de la película, nos sumerge plenamente en el infierno de la vida destrozada de esta joven acosada por las circunstancias, físicas o sociales, que la rodean. Nuevamente como en «La Reina», «Pelo Malo», o tantas otras cintas de este festival (pienso e particular en la selección de los Dardenne, los documentales de Krajinovic), el tema de la inocencia desgarrada por el pasaje involuntario y precoz a la madurez. Mencionaremos también que Han Gon-Ju se llevó el "Premio Eucuménico", dotado de CHF 5'000.-, ofrecido por dos asociaciones religiosas, «Action de Carême» (católica) y «Pain pour le Prochain» (reformada), al director "cuya obra refleje mejor los valores sobre los cuales se fundan estos dos organismos en su apoyo a la lucha de las poblaciones pobres de África, Asia o América Latina."

Finalmente se discernieron esa noche varios premios más. El jurado internacional otorgó un tercer premio, después del Regard d'Or y del Premio Especial, llamado "Talent Tape Award", dotado de prestaciones de posproducción de un valor de CHF 9'000.- y ofrecido por cinegrell postproduction gmbh, a "Au revoir l'été (Hotori no sakuko)" del japonés Koji Fukada. La mención explica que el premio se otorga a "una historia un tanto poco compleja contada con ligereza asumida. Un cuento poético y luminoso dedicado a la vida cotidiana, su encanto y su belleza. Una historia que refleja, finalmente, la pasión del director por el cine." La tercer cinta doblemente premiada, además de "Matar a un hombre" y "Han Gon-Ju", fue "Fish and Cat", del iraniano Sharam Mokri. El Jurado FIPRESCI (Fédération internationale de la presse cinématographique), que promueve el cine como arte y apoya al cine nuevo y joven, le atribuyó el su premio dotado de CHF 5'000.-. El "Jury des Jeunes" hizo lo mismo con su premio E-CHANGER, del mismo valor, favorenciendo así "la expresión de los jóvenes del festival, y privilegiando una película que toma en cuenta los problemas que éstos encuentran en el mundo de hoy. Tiende a sensibilisar a los estudiantes al medio irreemplazable que es el cine, más allá del divertimiento, para descubrir las riquezas de otras culturas, y aprender la tolerancia y la justicia".

¡Rendez-vous al próximo FIFF, del 21 al 28 de marzo de 2015!


 

 

 


 

La sección «Familia» que el pasado año estuvo dedicada a la India, este año estuvo dedicada a la América Latina, se pasaron dos películas de dibujos animados para niños: «Rodencia et la dent de la princesse» (3D) de David Isbano (Perú 2012) y «Anina» de Algredo Soderguit (Uruguay/Colombia 2013). 

 


 

 

 Conferencia de Prensa en Friburgo

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La directora administrativa del FIFF, Esther Widmer con los redactores de PuntoLatino, Alexandre Ramos y Luis Vélez-Serrano. 


 

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