Deux monstres sacrés du cinéma espagnol: Almodóvar et Banderas

— nota de Michaël Tuil de © PuntoLatino à propos de «La piel que habito» de P. Almodóvar —


La rencontre de deux monstres sacrés du cinéma espagnol, Pedro Almodova et Antonio Banderas, débouche sur un film d'une intensité peu commune.

Le film raconte l'histoire du docteur Robert Ledgard (joué par Antonio Banderas) qui cherche à developer une peau transgénique plus résistante pour l'humain, depuis que sa femme a été brûlée sur le corps entier dans un accident de voiture. Sans scrupules, Ledgard se sert d'un cobaye humain pour recréer sa femme, qui s'est suicidée quelque mois après l'accident car elle ne supportait pas son reflet de brûlée vive, et pour réaliser une vengeance sur l'agresseur de sa fille.

Bien que le film est différent des autres créations du réalisateur coqueluche de l'Espagne en ce moment, «La piel que habito» porte sans aucun doute la marque du maître Almodovar. Le spectateur est entraîné dans des situations d'une intensité à exploser, sexuelles, passionnées, familiales, cruelles… mille fois exagérées mais quand même humaine. Le désir, la passion et les sens des personnages sont exacerbés dans des relations de conflit, de domination-dominé, de violence. Dans certaines scènes, on a l'impression que les acteurs sont eux-même étonnés de l'intensité de la scène et de l'énergie animale qui en résulte: comme si la réalité les étonnait. C'est un sentiment très particulier pour le spectateur. Dans l'ensemble, le jeu des acteurs est remarquable, en particulier Banderas qui convainc en docteur machiavélique, désespéré, violent. L'excellente musique du compositeur espagnol Alberto Iglesias accompagne le spectateur tout au long de l'histoire.

Michaël Tuil de © PuntoLatino, Zúrich 30.09.12.




AzulOscuroCasiNegro: Una historia divertida y sencilla que brilla por la chispa, naturalidad y fluidez


— nota de Mathias van Hemelrijck de © PuntoLatino a propósito de «AzulOscuroCasiNegro» de Daniel Sánchez Arévalo (España 2006) —


AzulOscuroCasiNegro no es sólo un color; no es ese simple traje que tanto ansía Jorge durante toda la película, es mucho más. Es esa sensación de impotencia, de contrariedad y de superación a la vez, que se siente cuando las cosas se ponen mal, cuando la vida no deja de darte largas con todo lo que uno se propone.
Así es como debe de sentirse Jorge, obligado a suplir a su padre como portero de un edificio, después de que éste sufriera una apoplejía. El derrame cerebral lo deja postrado en una silla de ruedas al completo cuidado de su hijo, cuya existencia no podía ser más desafortunada. Además, su novia y mejor amiga de la infancia vuelve para, si cabe, romper más aún todos sus esquemas, y vivir un efímero romance que le abrirá los ojos.
Por otro lado, Antonio, el primogénito y la bala perdida de la familia, conoce entre rejas a Paula, una chica que sufre abusos por parte de sus compañeras presidiarias. Ella solamente ve una única salida posible a su desdicha: quedarse embarazada para, en este estado, poder ser trasladada al módulo de maternidad y recobrar cierta esperanza. No obstante, cosas de la vida, Antonio es incapaz de darle a su novia lo que ella desea. Éste, a pesar de todo, tiene un corazón enorme, por lo que decide pedirle a su hermano Jorge que le dé lo que él no ha sido capaz de brindarle a Paula.
A medida que pasa el tiempo, los personajes van entrelazándose creando una historia divertida y sencilla que brilla por la chispa, naturalidad y fluidez de la misma.


Mathias van Hemelrijck de © PuntoLatino, Zúrich 02.10.12.


El tema de la paternidad en «Biutiful»


— El rol de la hija como articulador de dos espacios: vida y muerte. Nota de Luis Vélez Serrano de © PuntoLatino —


El programa narrativo de «Biutiful» de González Iñárritu, el tema de la paternidad es más obsesivo. El programa narrativo de Uxbal, el personaje principal, me parece que es sobrevivir en la realidad pero también en sus metas interiores. No olvidemos que Uxal tiene cáncer y su lucha es también contra el tiempo. ¿Cómo ser padre cuando se tiene el tiempo contado y la vida, cada día, es menos vida?

El protagonista (Javier Bardem) en el rol de personaje principal lucha por sobrevivir al cáncer el tiempo que pueda, lucha por que su hija sobreviva y porque los inmigrantes «ilegales» puedan sobrevivir a su turno. Es como leo el programa narrativo de Uxbal, él mismo es un inmigrante interno, como lo dice González Iñárritu en alguna entrevista pasada que la dio en España, es un charnego, un castellanohablante que se establece en Barcelona. En su actividad bisagra entre legalidad e ilegalidad en la explotación de inmigrantes chinos y africanos, el tema de la parternidad juega un rol profundo y articulador: busca al padre ausente y aspira a ser un padre de verdad, a proyectarse. Los hijos de Uxbal, sobre todo la hija, son aliados en el programa narrativo: le ayudan a vivir, a vivir por ellos. El anillo de dedo en dedo juega un rol no inocente en destacar este tema de la paternidad.

Detalle no sin interés: el escritor Armando Bo director de «El último Elvis» participó en la lectura de la primera versión del guión de «Biutiful» junto también a Nicolás Giacobone; Bo y Giacobone son los guionistas de «Biutiful». 

Ver nota de Luis Vélez Serrano sobre el tema de la paternidad en «El último Elvis» de A. Bo, en PuntoLatino ...

En los comentarios de filmes, me propongo casi siempre partir del programa narrativo (qué se propone el personaje), qué o quién le facilita el intinerario de ese programa y qué o quién se le opone. Trato asi de encontrar significaciones relacionadas con los temas o subtemas tratados en la película.
 
Luis Vélez Serrano de © PuntoLatino, Zúrich 29.09.12.




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Von Schinken und Schaulust: Spanisches Kino nach Franco


— 04.09.12. — 03.10.12., Xenix ZURICH —

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Spanien kommt auch als aktueller Fussball-Europameister nicht aus den Negativ-Schlagzeilen heraus: Schulden, Schulden, Schulden. Aber was wissen wir eigentlich über die Menschen, das Land und die Geschichte der Iberischen Halbinsel?

Mit 30 Filmen aus der Zeit der «Transición» nach dem Tod Francos 1975 bis heute beleuchten wir eine lange Phase gesellschaftlicher Umbrüche und Neuorientierungen. Es erstaunt nicht, dass gerade in dieser Zeit ein Neues Kino aufblüht mit Filmen von Pedro Almodóvar, Bigas Luna, Julio Medem, Álex de la Iglesias bis Isabel Coixet oder Icíar Bollaín. Befasst es sich in realistisch geprägten Werken mit der Vergangenheit, dem Bürgerkrieg und der Franco-Zeit oder mit der jeweiligen Gegenwart, zeigt es, inspiriert durch die Darstellungsweise des Esperpento und den Surrealismus, ein überzeichnetes, groteskes bis surrealistisches Bild Spaniens.

Los santos innocentes (1984) von Mario Camus, Cría Cuervos (1976) von Carlos Saura oder El Sur (1983) von Victor Erice sind eindrückliche Annäherungen an die Zeit der Repression unter Franco. Deprisa, Deprisa (1981) von Carlos Saura, Los lunes al sol (2002) von Fernando León de Aranoa oder La soledad (2007) von Jaime Rosales sind Annäherungen an ihre Gegenwart. Dagegen ist Pedro Almodóvar nur einer von mehreren Regisseuren, die sich explizit auf den Esperpento beziehen. Diesen hat der Dramatiker Ramón Valle-Inclán mit seinen grotesken Theaterstücken in den Zwanzigerjahren begründet und geprägt. Auch die Filme von Bigas Luna oder Álex de la Iglesias lassen sich besser einordnen, wenn sie als Kino der Überzeichnung verstanden werden. Wir freuen uns, von Bigas Luna (neben Jamón, Jamón (1992) und Son de Mar (2006)) seinen Zweitling Bilbao (1978) auf einer raren neuen 35-mm-Kopie in einer exklusiven Vorstellung zeigen zu können. Der Film, der oft mit Peeping Tom (1960) verglichen wird, sorgte Ende Siebzigerjahre bei seiner Uraufführung in Cannes für Aufruhr. Und noch einen Film möchten wir aus dieser Reihe zentraler Filme der spanischen Filmgeschichte nach Franco speziell hervorheben: Amanece, que no es poco (1989) von José Luis Cuerda, der den Esperpento und den Surrealismus auf eine unglaublich lustige Art miteinander verbindet. Die Professorin Cristina Urchueguía wird am 13. September in dieses Werk einführen, das sich in Spanien seit seiner Uraufführung zum Kultfilm entwickelt hat.


Hommage an Lucrecia Martel
Das Werk der 1966 im Nordosten Argentiniens geborenen Filmemacherin Lucrecia Martel ist noch klein. Doch ihre Salta-Trilogie mit den Filmen La ciénaga (2001), La niña santa (2004) und La mujer sin cabeza (2008) lädt zu sinnlich-existenziellen Entdeckungsreisen ein. (Wir zeigen La niña santa und La mujer sin cabeza als Premieren). Zumeist geht die argentinische Filmemacherin von einer ganz konkreten Ausgangssituation aus: Der trägen Zusammenkunft Erwachsener, die sich am Rand eines Swimmingpools und in der schwülen Hitze betrinken, während die Jungen im Haus Siesta machen (La ciénaga), oder eine Religionslehrerin, die in den beiden Teenagerinnen Amalia und Josefina ein Verlangen nach spiritueller Erfahrung erweckt (La niña santa). Von hier aus spannt sie verschiedene Erzählstränge, die verschlungene Beziehungen zwischen den beiläufig vorgestellten Figuren offenbaren, verborgene Sehnsüchte und Gefühle sichtbar machen. Der Filmemacher und Filmtheoretiker Fred van der Kooij wird am 20. September in die Faszination und das Neuartige von Martels Erzählweise einführen.


The Sowiet Story – eine Zusammenarbeit mit der Universität Zürich
Als öffentliche Veranstaltung der Summer School des Historischen Seminars zeigen wir den umstrittenen Film The Sowiet Story von Edwin Snore. Der aus Lettland stammende Drehbuchautor und Regisseur identifiziert und analysiert das durch die stalinistischen wie nationalsozialistischen Verbrechen und Massenmorde gezeichnete Osteuropa als Kristallisationspunkt der Gewalterfahrung.
Im Anschluss an die Vorführung vom 6. September findet eine Podiumsdiskussion statt.


Dokfilm am Sonntag: The Education of Auma Obama (2011)
Branwen Okpako porträtiert in ihrem einsichtigen Dokumentarfilm Auma Obama, die um ein Jahr ältere Halbschwester von Barack Obama. Auma Obama lebt in Kenia, wo Baracks und Aumas politisch unangepasster Vater begraben liegt. Auma studierte in Deutschland und England, bevor sie als Soziologin nach Afrika zurückkehrte und heute als Mentorin von Projektentwicklern und Sozialarbeitern arbeitet.


Kinderfilm: Emil und die Detektive (1931)
Im September zeigen wir einen wahren Kinderfilm-Klassiker, der auf dem Kinderbuch-Renner von Erich Kästner basiert. Als Drehbuchautor zeichnet kein Geringerer als Billy Wilder verantwortlich. Seine Adaption der Geschichte über Emil Tischbein, der auf seiner Reise nach Berlin vom Gauner Grundeis bestohlen wird und sich mit Hilfe einer Berliner Kinderbande das Geld zurückholt, vermag auch heute noch zu begeistern.

Von Schinken und Schaulust: Spanisches Kino nach Franco
Hommage an Lucrecia Martel



Gäste:
Nada Boskovska, Norman Naimark, Ulrich Schmid, Jeronim Perovic 6. 9. > 18.00 Uhr
Cristina Urchueguía 13. 9. > 21.00 Uhr
Fred van der Kooij 20. 9. > 19.30 Uhr



Esperpento, Surrealismus und das Alltägliche im Spanischen Kino nach Franco


Der Übergang zur Demokratie, die «Transición», nach Francos Tod 1975 fand ohne eine juristische Aufarbeitung der Verbrechen des Spanischen Bürgerkriegs (1936–1939) und der Diktatur statt. Hier bot das Kino eine Möglichkeit, sich mit der Vergangenheit zu beschäftigen. Diese filmische Erinnerungskultur vermied jegliche Form von Nostalgie. Dennoch durfte vieles auch im Kino nicht thematisiert werden, da die Angst vor einem neuen Krieg oder vor dem Aufbrechen alter Wunden zu gross war: die Repression in Gefängnissen, die Guerrilla-Kämpfer nach dem Ende des Krieges in ländlichen Gebieten des Nordens und die Arbeitslager für republikanische Kriegsgefangene sind einige Beispiele dafür. Erst in den letzten Jahren hat die schonungslose Aufarbeitung dieser und anderer sehr schmerzhafter Themen begonnen.
Neben der Verarbeitung der Vergangenheit wollte das Kino nach Franco eine Gesellschaft zeigen, die einen radikalen Wandel moralischer und politischer Werte erlebte. Es ging nicht nur um Widerstand gegen das Erbe des Nationalkatholizismus der Diktatur, sondern auch um eine Suche nach neuen ästhetischen Formen in der Überschreitung alter Normen. Dabei lassen sich zwei Linien verfolgen: einerseits die Suche nach einer Filmsprache jenseits des traditionellen Kinos der Sechziger- und Siebzigerjahre, die auf den «Esperpento» zurückgreift, und andererseits eine dem Realismus verpflichtete Darstellungsweise, welche die ästhetische Form des Realismus mit sozialer Kritik verbindet.


Esperpento: Groteskes mit Schinken und Tigern
Pedro Almodóvar, das Aushängeschild des spanischen Kinos schlechthin, beruft sich explizit auf den «Esperpento» von Ramón del Valle-Inclán. Der 1866 geborene spanische Dramatiker Valle-Inclán hatte diese Gattung und literarische Schreibweise Anfang der Zwanzigerjahre erfunden und stark geprägt. Im Esperpento vermischen sich Parodie und Satire, um die menschlichen Probleme grotesk darzustellen, aber immer mit dem Ziel einer gewissen Selbstreflexion. Valle-Inclán wollte die Realität wie in einem Zerrspiegel verdrehen und deformieren. In allen Filmen Almodóvars von Pepi, Luci Bom y otras chicas del montón (1980), Laberinto de Pasiones (1983)) bis zu La piel que habito (2011) finden sich Szenen, die das Konzept des Esperpento in geradezu exemplarischer Weise zeigen. Die Lächerlichkeit und das Satirische wird etwa überdeutlich, wenn in seinem bisher letzten Film der brasilianische Sohn der Haushälterin Marilia in karnavalesker Verkleidung als Tiger auftaucht.

Almodóvar war aber nicht der Einzige, der den Esperpento als Grundmuster für das neue Kino entdeckte. Die Überzeichnung, das Groteske und die Auflösung klassischer Dramaturgie von Zeit und Raum finden sich auch in den Filmen von Bigas Luna und Álex de la Iglesia. Ihr Kino lässt sich besser verstehen, wenn es als Deformation durch einen konkaven Spiegel verstanden wird. In einem absurden Zweikampf prügeln sich in Jamón, Jamón (1992) die Protagonisten mit riesigen Schinken und führen damit das Konzept des klassischen Helden ins Lächerliche. In Álex de la Iglesias’ La comunidad (2000) wird eine Hausgemeinschaft als Metapher für den städtischen Alltag gebraucht. Die Überzeichnung der Nachbarn macht ihr geldfixiertes gieriges Verhalten sichtbar und spielt mit der Doppelbödigkeit von proklamiertem Gemeinschaftssinn und egoistischem Exzess.

Einflüsse auf das spanische Kino nach Franco gehen aber auch vom Surrealismus aus, der eng mit dem Esperpento verbunden ist. So war Valle Incláns Theater Vorbild für Salvador Dalí, Federico García Lorca und Luis Buñuel. Eine Verbindungslinie von den Surrealisten führt etwa zu Carlos Saura, einem Buñuel-Verehrer, der beispielsweise in Cría cuervos (1976) die Verdrängung des Bürgerkriegs und aller möglichen Arten von Tabus während der Franco-Zeit thematisiert. Die Welt des Unterbewusstseins steht auch im Zentrum der Filme von Javier Medem (La Ardilla roja (1993)), einem Filmemacher einer Generation, die den Krieg nicht erlebt hat. In seinem Los amantes del círculo polar (1998) unterwandert er die poetische Darstellung von Kindheitserinnerungen aus den Sechzigerjahren durch Momente des Abgründigen und durch eine unerwartet barocke Inszenierung. Ein Schmuckstück der Xenix Filmreihe ist der unvergleichliche Film Amanece, que no es poco (1989) von José Luís Cuerda. Dieser fasst den Esperpento und den Surrealismus auf eine unglaublich lustige Art zusammen, indem er das Lächerliche und eine neue Interpretation der barocken Ästhetik des Deftigen wunderbar vereint. So singt eine Gruppe von Hirten aus einem heutigen Dorf fröhlich Lieder aus der Renaissance im Madrigalstil, wenn sie von der harten Arbeit nach Hause zurückkehren, als würden sie in einer Idylle leben.


Präziser Blick auf den Alltag
Wenn man die Spiegel-Metapher von Valle-Inclán weiterdenkt, kann man sagen, dass der Realismus im Kino nach dem Tod Francos ebenfalls ein Abbild der Gesellschaft anbieten wollte. Dieses ist zwar nicht durch einen Zerrpiegel deformiert, hängt aber entscheidend von der Interpretation und Deutung der gesellschaftlichen Realität ab: von der Auswahl der Themen, der Verknüpfung der Szenen und der Perspektive der Betrachtung. Beeinflusst wurde die ästhetische Sicht des spanischen Kinos auf die Gesellschaft und die Vergangenheit durch den Wandel vorherrschender Ideologien beim Übergang zur Demokratie. Die Selbstbilder, die in der spanischen Gesellschaft existierten, präsentierten sich in Form einer realitätsnahen Ästhetik, die eine neue demokratische Identität stiften sollte. Die offizielle und die inoffizielle Wahrnehmung vom Leben und Alltag wurden je nach Film unterschiedlich kodifiziert. Immer aber war das realistische Kino in der Beobachtung des Sozialen und der Thematisierung sozialer Probleme aus einer Perspektive «von unten» der Genauigkeit verpflichtet.

Im Vordergrund stand dabei häufig die Erinnerung an die verschiedenen Formen von Gewalt während und nach dem Bürgerkrieg. Der kulturelle Vorgang des Erinnerns und die entsprechenden Regeln der Sagbarkeit stellen die Figuren des Meisterwerks El Sur (1983) von Víctor Erice vor ihre eigenen Dilemmata. Die Protagonisten sind ein Mädchen und ihr Vater, denen es in der Franco-Zeit nicht gelingt, eine Sprache zu finden, in der man die Erfahrungen des Bürgerkriegs ausdrücken kann. Das private Wissen über die Gewalt in der Vergangenheit reicht nicht aus, um die durch den Krieg angerichteten inneren Versehrtheiten zu bewältigen, vor allem wenn das öffentliche Wissen jede Anerkennung und jede Wahrnehmung dieser Gewalt ausblendet.

Die strukturelle Gewalt der Nachkriegszeit unter Franco konkretisiert sich in Demütigungsritualen im ländlichen wie im städtischen Alltag. Das Leben der Bauern unter den zynischen «señoritos», die über Grossgrundbesitz in der Extremadura verfügen, wirft zahlreiche moralische Fragen auf. Wie stark Abhängigkeit und Demütigung ineinandergehen und sich bedingen, zeigt beispielsweise die realistische Romanverfilmung Los santos inocentes (1984) von Mario Camus. Die Enttäuschung, die sogenannte «Entzauberung» («desencanto») nach der Begeisterung der ersten Jahre nach Franco drückt sich in der Beobachtung der sozialen Spannungen und Konflikte aus. Zu viele Hoffnungen wurden in den politischen Erneuerungsprozess gesetzt. Die weiterexistierenden Rituale der Gewalt im städtischen Milieu sind am besten in Carlos Sauras Deprisa, deprisa (1981) zu erkennen. Sauras Film thematisiert die Alltagserfahrungen von jungen Randständigen und ihrer Existenz unter schwierigen Bedingungen. Ein gestohlenes Auto, das in Flammen aufgeht, fasst die Stimmung dieser Zeit gut zusammen. In den Neunzigerjahren hielt der Traum der Konsumgesellschaft in allen Variationen Einzug. Auch Kultur und Bildung traten als Ware auf. Eine spannende Reflexion über die Lebenswelt der Jungen aus der Mittelschicht findet sich im raffiniert inszenierten Thriller Tesis (1996) von Alejandro Amenábar, eine Auseinandersetzung mit der psychischen Unterdrückung an der Universität, einem Ort, an dem nicht nur Dissertationen geschrieben werden und der alles andere ist als ein Elfenbeinturm. Inspiriert durch sich häufende Medienberichte, widmet sich Icíar Bollaín in ihrem frappierenden Te doy mis ojos (2003) dem Thema der häuslichen Gewalt. Ihr überraschender Publikumserfolg kommt ohne die gängigen Stereotypen aus und funktioniert dank einer enormen schauspielerischen Leistung.

Zahlreiche Arbeitslose müssen in Fernando León de Aranoas wunderbar lakonischem Film Los lunes al sol (2002) ihr Leben ohne wirkliche Perspektiven neu gestalten. Nach Originaldokumenten mit Strassenschlachten zwischen Werftarbeitern und der Polizei in Nordspanien, die an die sozialen Kämpfe der Achtzigerjahre erinnern, zeigt Aranoa den desolaten Alltag einer kleinen Gruppe von arbeitlosen Männern, die ihren damaligen Arbeitsort, die Werften, nur mehr als Ruine vor sich haben. Wir sind in Spaniens Gegenwart angekommen. (Luís M. Calvo Salgado)

Die wichtigsten Regisseure des spanischen Kinos nach Franco


Carlos Saura
«Schon Buñuel hat gesagt: Das Reinste ist die Einbildungskraft.»
Die frühen Filme des 1932 in Aragón geborenen Carlo Saura, der Ingenieurwissenschaften studierte und auf Tanzveranstaltungen fotografierte, sind durch den Neorealismus beeinflusst. Prägend war aber auch die Begegnung mit dem Surrealisten Luis Buñuel bei der Uraufführung seines Erstlings Los Golfos (1959) an den Internationalen Filmfestspielen in Cannes. Immer wieder widersetzte er sich der Zensur, die ihm scheinheilig alles erlaubte: «Sie dürfen filmen, was Sie wollen, ausser Sex, Politik und Religion.» Unterschwellig kritisierte Saura in seinen Filmen der Sechzigerjahre die vorherrschende Haltung der spanischen Gesellschaft und wurde zum Aushängeschild der Franco-Kritiker. Cría cuervos (1975), einer von neun Filmen mit seiner Lebenspartnerin Geraldine Chaplin, in dem sie in einer Doppelrolle brilliert, war wie seine späteren Tanzfilme ein grosser Publikumserfolg.

Víctor Erice
«Die Bilder in meinen Filmen gewinne ich aus Erfahrungen und Gefühlen, denen wir uns nur graduell bewusst sind.»
Das Werk des 1940 im Baskenland geborenen Víctor Erice ist klein. Doch zeigt sich in seinen wenigen Filmen eine immense Sensibilität für präzise, lichterfüllte Bilder, mit denen er am Beispiel seiner weiblichen Hauptfiguren universelle Erfahrungen wie die Bedeutung von Kindheitserinnerungen und mit einer bestimmten Zeit verknüpfte Stimmungen einfängt. Nach einem abgeschlossenen Studium in Jus-, Politik- und Wirtschaftswissenschaften studiert Erice an der Escuela de Cine in Madrid Regie. Er arbeitet immer wieder als Filmkritiker, Drehbuchautor und realisiert bereits in den Sechzigerjahren erste Kurzfilme. Seine beiden Spielfilme El Espiritu de la Colmena (1973) und El sur (1983) sowie sein Dokumentarfilm El sol del membrillo (1992) über den spanischen Maler Antonio López sind Meilensteine in der spanischen Filmgeschichte.

Pedro Almodóvar
«Die Drehbücher, die ich schreibe, entspringen meiner inneren Welt, meinen Gefühlen. Aber gleichzeitig spiegeln sie auch die Welt wider, die ich sehe.»
Den 1949 in Ciudad Real in La Mancha geborenen Filmemacher Pedro Almodóvar muss man niemandem mehr vorstellen. Bei Franziskanern ging er in die Schule, mit sechzehn setzte er sich nach Madrid ab, wo er nach dem Ende der Franco-Diktatur als Untergrundkünstler der movida madrileña die neu gewonnenen Freiheiten auslebt und seine Sexualität entdeckt. Almodóvar ist mit seinen bunt hysterischen Melodramen und Beziehungskomödien seit zwanzig Jahren der Repräsentant des spanischen Kinos schlechthin. Weniger bekannt ist die starke Beeinflussung durch die Kunstform des Esperpento, die der Theaterschriftsteller Ramón del Valle-Inclán mit grotesken Satiren in den Zwanzigerjahren begründet hatte: «Da liegen meine Wurzeln. Valle-Inclán machte sich auf fast makabre Weise über die gesellschaftlichen Zustände lustig, auch über Gefühle. Diese Komponente von schwarzem Humor ist, glaube ich, etwas ureigen Spanisches.»

Bigas Luna
«Eine ideale Geschichte gründet auf Symbolen.»
Bigas Luna, 1946 in Barcelona geboren, zählt zu den wichtigsten Erneuerern des spanischen Kino nach Franco. Obsessionen, Fetisch, Erotik, Sex und Gewalt sind die wichtigsten Themen seines Kinos. Der Katalane liebt die satirische Überhöhung nationaler Stereotypen, das Aufeinandertreffen von Normalität mit Künstlichkeit, mit Mythen und Abwegigem. In den Sechzigerjahren stellt er avantgardistische Möbel im Dalí-Museum in Figueras aus und gründet in Barcelona eine Künstlergruppe. Mitte der Siebzigerjahre beginnt er, Kurzfilme zu drehen, und sorgt 1978 mit der Aufführung seines Spielfims Bilbao über die sexuellen Obsessionen eines Mannes am Filmfestival von Cannes für Aufruhr. Nach einem Aufenthalt in den USA, wo er den Film Anguish (1987) realisiert, bringt er mit Jamón, Jamón (1992) das Traumpaar Penélope Cruz und Javier Bardem erstmals zusammen auf die Leinwand. Bis heute ist er ein Grenzgänger zwischen den Künsten: Maler, Designer und Filmemacher. So hat er Spanien an der Weltausstellung in Schanghai 2010 mit einer Multimedia-Installation vertreten.

Julio Medem
«Inspiration finde ich in halb träumendem Zustand.»
Der 1958 in San Sebastián geborene Filmemacher Julio Medem schickt in seinen spielerisch verschlungenen Filmen Liebende auf die Suche nach ihrem idealen Gegenstück, das sie unbedacht aufgrund von dummen Zufällen oder unter schicksalhaften Umständen verloren haben. Gegenwärtige Handlungen vermengen sich in diesen Odysseen poetisch mit romantischen Erinnerungen, sexuellen Sehnsüchten und Träumen. Während seines Medizinstudiums an der Universität País Vasco schreibt Julio Medem Filmkritiken. 1991 realisiert er nach diversen Kurzfilmen seinen ersten Langfilm Vacas, der gleich mit mehreren internationalen Preisen ausgezeichnet wird. Genauso wie die folgenden beiden Spielfilme La ardilla roja (1993) und Los amantes del círculo polar (1998).

Isabel Coixet
«Ich verschwende meine Zeit nicht damit, über Schwierigkeiten nachzudenken.»
In der Region von Barcelona in Sant Adrià de Besòs 1960 geboren, wächst Isabel Coixet in armen Verhältnissen auf. Ihre Mutter reisst Tickets in einem Kino. Nach ihrem Geschichtsstudium arbeitet Coixet als erfolgreiche Texterin in der Werbung. Ihr in Amerika im Stile der US-Indies realisierter Zweitling Cosas que nunca te dije (1996) konnte im Panorama der Berlinale entdeckt werden. Einem breiteren Publikum wird die Filmemacherin mit My Life Without Me (2003) mit Sarah Polley in der Hauptrolle bekannt. Diesen Kritiker- und Publikumserfolg übertrifft sie mit dem folgenden Melodrama Secret Life of Words (2005) nochmals. In all ihren Filmen interessiert sie sich für die innersten Gefühle ihrer Hauptfiguren, die sie auf der Leinwand sichtbar macht.

Álex de la Iglesia 
«Die Realität langweilt mich.»
Spaniens Tarantino wurde 1965 in Bilbao geboren. Als Kind zeichnete er Comics, schloss sein Philosophie-Studium erfolgreich ab, obwohl er sich in dieser Uni-Zeit nach eigenen Aussagen hauptsächlich in Bars und in Filmclubs aufhielt. Seine übersteigerten, opulent burlesken Werke strotzen von schwarzem Humor. Der baskische Filmemacher liebt Aussenseiter-Figuren, die ihre eigene Moral ausleben und konsequent ihren Weg gehen. Sein Kurzfilm Mirindas asesinas (1991) fiel auch Pedro Almodóvar auf, der in der Folge Iglesias’ Zukunftsgroteske Acción Mutante (1993) produzierte. Mit El día de la Bestia (1995) und La comunidad (2000) mit Carmen Maura in der Hauptrolle gelangen ihm gleich zwei Publikumhits.

Icíar Bollaín
«Filmemacher müssen stur und obsessiv sein.»
Die Madrider Schauspielerin, Filmemacherin und Drehbuchautorin (geb. 1967) konzentriert sich auf differenzierte, sensible Charakterdarstellungen – zumeist aus dem Blick weiblicher Figuren. Diese situiert sie in konkreten sozialen Lebenswelten, die sie sorgfältig recherchiert: Ausgangspunkt für ihren dritten Spielfilm Te Doy mis Ojos (2003) waren beispielsweise Zeitungsmeldungen über häusliche Gewalt. Zum Film verhilft ihr Anfang der Achtzigerjahre Víctor Erice, der die aufgeweckte Bollaín auf dem Schulhof entdeckt und sie als 15-jährige Hauptfigur in seinem Film El Sur auftreten lässt. 1991 gründet sie ihre eigene Produktionsfirma Producciones La Iguana S. L., und im selben Jahr, wie sie ihren Erstling ¿Hola, estás sola? (1995) dreht, steht sie in Land of Freedom für Ken Loach vor der Kamera. También la lluvia (2010) basiert auf einem Buch des langjährigen Ken-Loach-Drehbuchautors Paul Laverty, mit dem sie verheiratet ist.

Alejandro Amenábar
«Das Leben ist ein Traum»
Alejandro Amenábar (geb. 1972) wuchs in Madrid auf, nachdem sein chilenischer Vater und seine spanische Mutter nach dem Putsch Pinochets nach Spanien emigriert waren. Schon als Kind schrieb er Geschichten, die er selber illustrierte und vertonte. Während seines Studiums der Informationswissenschaften, das er später abbricht, realisiert er auf Festivals tourende, vielbeachtete Kurzfilme. Sein Interesse gilt Wahrnehmungsverschiebungen und der menschlichen Schwäche, angesichts der Wirklichkeit in Scheinwelten zu flüchten. José Luis Cuerda (von dem wir in dieser Filmreihe Amanace, que no es poco (1989) zeigen) produzierte seinen Erstling Tesis (1996) und den futuristischen Psychothriller Abre sus ojos (1997), der Amnábar nicht nur den internationalen Durchbruch, sondern einige Jahre später auch ein Remake in Hollywood ermöglichte. Penélope Cruz spielt in beiden Verfilmungen die weibliche Hauptrolle. Für das mit dem Oskar ausgezeichnete Sterbedrama Mar adentro arbeitet er 2004 mit dem brillierenden Javier Bardem zusammen.

   F I L M E S



Balada triste de trompeta
Álex de la Iglesia, Spanien 2010; 105' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Manuel Tallafé, Alejandro Tejerías, Manuel Tejada, Enrique Villén, Gracia Olayo

Madrid 1937: Javiers Vater, ein Clown, wird mitten in einer Vorstellung für Kinder gezwungen, für die Republikaner zu kämpfen, und muss seinen Einsatz im Gefangenenlager der siegenden Franquisten bitter bezahlen. Seinen Hass gibt er seinem Sohn weiter, der 1973, unter der stets andauernden Franco-Herrschaft, als trauriger Clown bei einem Wanderzirkus anheuert. Star dieses Zirkus ist sein lustiger Gegenpart Sergio, ein genialer Clown, den alle Kinder lieben, der aber eine sadistische Ader hat. Am schlimmsten hat seine Freundin, die Artistin Natalia, unter den Ausfälligkeiten zu leiden. Natürlich verliebt sich Javier in die unschuldig schöne Artistin, und auch Natalia zeigt Interesse an dem unglücklichen Clown, in dessen Persönlichkeit die brutale Eifersucht seines Kontrahenten eine verborgene Seite weckt …

Balada triste de trompeta ist der wohl bedingungsloseste Film im Werk von Álex de la Iglesia. Der baskische Regisseur, der die Groteske liebt, nimmt sich die beiden grossen Themen in der spanischen Geschichte des 20. Jahrhunderts vor, die auch vierzig Jahre nach Franco noch nicht verarbeitet sind. Seinem burlesk-opulenten Kino treu, hat er einen «scheusslich-schönen Film geschaffen, der den Zuschauer mit überhöhten Bildern und Aktionen überrollt» (Daniel Bund, negativ). Die Jury unter ihrem Vorsitzenden Quentin Tarantino dankte ihm am Filmfestival in Venedig mit dem Preis für die Beste Regie und das Beste Drehbuch.
Do 30. 8. – Mi 5. 9. > 17.00 Uhr


Cría cuervos
Carlos Saura, Spanien 1976; 110' Sp/e (DCP, Farbe) Mit Geraldine Chaplin, Ana Torrent, Mónica Randall, Florinda Chico, Héctor Alterio, Germán Cobos, Mirta Miller
Drei Geschwister geben sich in einer alten Villa, deren Glanz abgeblättert ist, Rollenspielen hin oder tanzen zum Sommerhit «Porque te vas» von Jeannette durch das Wohnzimmer. Erzählt wird aus den Augen der rebellischen Ana, die im Jahr 1995 auf ihre Kindheit in den Siebzigerjahren zurückblickt. Gerade mal acht Jahre alt, haben das Mädchen und ihre grössere und kleinere Schwestern Irène und Maite die Eltern verloren. Starb ihre Mutter an einer qualvollen Krebskrankheit, erlag ihr Vater an einem Herzinfarkt nach einer Liebesnacht mit der Geliebten, die er schon zu Lebzeiten der Mutter hatte. Anstelle der Eltern kümmern sich nunmehr das Dienstmädchen Rosa und die leicht überforderte Schwester der Mutter Paulina um die Mädchen. In Visionen holt sich Ana ihre Mutter zurück und glaubt, mit ihrem «Zaubermittel» in Form eines Pulvers in das Schicksal der anderen eingreifen zu können.
Die spanische Zensurbehörde konfiszierte Sauras 1975 fertiggestelltes Meisterwerk und hielt es ein halbes Jahr über den Tod Francos hinaus unter Verschluss. Sie fürchtete, dass der Film als Abbild der bröckelnden autoritären Herrschaft gelesen werden würde. Tatsächlich spiegelt der Film die Stimmung und Verhältnisse jener Zeit subtil in der kindlichen Erfahrung und den grossen traurigen Augen der Hauptdarstellerin. Ana Torrent brillierte bereits in Víctor Erices El espíritu de la colmena und ist neben Geraldine Chaplin der Star des Films. (Sie ist übrigens in unserer Reihe als erwachsene Schauspielerin im Film Tesis von Alejandro Amenábar zu sehen.)
Do 30. 8. – So 2. 9. > 19.00 Uhr


La ardilla roja
Julio Medem, Spanien 1993; 114' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Emma Suárez, Nancho Novo, María Barranco, Karra Elejalde, Carmelo Gómez, Cristina Marcos, Mónica Molina, Ana Gracia, Elena Irureta
Eine Sommernacht in San Sebastián: Jota, ein Rockmusiker, möchte sich, von Freundin und Band verlassen, nur noch über die Klippen in die Brandung des Meeres stürzen. Allerdings fehlt ihm dazu der letzte Todeswille. Nur zu gerne kommt er einer Motorradfahrerin zu Hilfe, die durch die Leitplanke bricht, mit dem Rücken auf dem Sandstrand aufschlägt und jegliche Erinnerung verliert. Bei der Aufnahme im Spital gibt sich Jota kurzerhand als ihr Freund aus und meldet die schöne Lenkerin als Lisa Fuentes an. Glücklicherweise ist Lisa, die eigentlich Sophia heisst und in deren Augen Jota seine ehemalige Freundin sieht, abgesehen von ihrer Amnesie nur leicht verletzt. Und die beiden fahren «wie schon länger geplant» auf einen Campingplatz in die Ferien. Eine erste Liebesnacht ist ihnen gegönnt. Doch mysteriöse Eichhörnchen, aufdringliche Zeltnachbarn und ein Aufruf aus dem Radio stören die Ruhe der beiden …
Melodrama, Psychothriller und Komödie … Julio Medem vermengt in seiner Liebesgeschichte, mit der er sich über Formen des Machismo lustig macht, verschiedene Genres miteinander und streut surrealistische Einsprengsel in sein verspieltes Werk ein: Da blickt die Kamera aus den Augen eines Eichhörnchens und huscht einen Baum hinauf oder taucht in die Tiefen eines Sees, ins Unterbewusste und in die Träume seiner Figuren und verrät so zeitgleich stattfindende Geschehnisse oder lässt kommende Entwicklungen erahnen. Eine Szene lehnt sich direkt an Luis Buñuels Un Chien Andalou und den berühmten Schnitt durchs Auge an.
Do 30. 8. – So 2. 9. > 21.15 Uhr


Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón
Pedro Almodóvar, Spanien 1980; 82' Sp/e (DVD, Farbe) Mit Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Eva Siva, Concha Grégori, Kiti Manver, Cecilia Roth, Julieta Serrano
Pepi wird von einem korrupten Polizisten, der die Marihuanapflanzen auf ihrer Fensterbank entdeckt hat, in ihrer Wohnung aufgesucht und vergewaltigt. Pepi sinnt auf Rache. Sie stiftet die Mitglieder der Band, in der auch ihre beste Freundin Bom spielt, dazu an, den Polizisten nachts anständig zu bestrafen. Ausserdem knüpft sie einen Kontakt zu Luci, der Frau des Ordnungshüters. Diese gesteht Pepi während einer Strickstunde ihre masochistischen Neigungen – wodurch plötzlich ungeahnte Begierden geweckt werden und ihr ein Coming-out ermöglichen: Luci wird Groupie der Punkrockgruppe Bomitoni und Freundin der lesbischen, sadistischen und sehr direkten Leadsängerin Bom. Vor diesem Hintergrund beginnt eine rasante Tour d’Horizon durch Madrid, musikalisch untermalt von Zarzuela, Punk und Paso Doble.
Ein ungestümer und schnörkelloser Film, dem anzumerken ist, dass es sich um einen Erstling handelt: Kleine technische Mängel werden mehr als wettgemacht durch unverkrampfte Direktheit, rauen Charme und beissenden Humor.
Fr 31. 8. / Sa 1. 9. > 23.30 Uhr


El espíritu de la colmena

Víctor Erice, Spanien 1973; 97' Sp/df (35 mm, sw) Mit Fernando Fernán Gómez, Teresa Gimpera, Ana Torrent, Isabel Tellería, Ketty de la Cámara, Estanis González, José Villasante
In einem kleinen Wanderkino sieht die siebenjährige Ana (Ana Torrent) James Whales «Frankenstein» mit Boris Karloff. In ihrer kindlichen Wahrnehmung verschwimmen die klaren Grenzen zwischen Fiktion und Wirklichkeit. Erschreckt und fasziniert zugleich beobachtet das Mädchen die bemitleidenswürdige Kreatur, ihre braunen Augen weit aufgerissen, alle Welt um sich herum vergessend. Später wird die Geschichte auf der Leinwand ihren Weg in Anas Leben finden. Doch es ist kein Monster, das da seinen Fussabdruck in die karge Landschaft Kastiliens setzt.
El espíritu de la colmena spielt im Spanien des Jahres 1940. Der Bürgerkrieg ist eben erst zu Ende gegangen, Francos autoritäre Diktatur lastet schwer auf den VerliererInnen. Lethargische Schwere liegt auch über Anas Dorf. Ihr Vater züchtet schweigsam Bienen, die Mutter schreibt Briefe an einen imaginären Liebhaber. Ana und die wenig ältere Schwester sind mit ihren Kinderspielen, ihren Ängsten und Tagträumen allein gelassen.
Als Víctor Erice El espíritu de la colmena 1973 ins Kino brachte, ging
Francos Herrschaft zwar dem Ende entgegen, aber offene Kritik am Regime war zu diesem Zeitpunkt noch undenkbar. «Auch bei Erice bleibt sie allegorisch, sein Hauptinteresse gilt dem Innenleben seiner Protagonistin.» (Jürg Tschirren)
So 2. 9. / So 16. 9. / So 30. 9. > 14.30 Uhr


Laberinto de pasiones

Pedro Almodóvar, Spanien 1982; 100' E/d (35 mm, Farbe) Mit Cecilia Roth, Imanol Arias, Helga Liné, Marta Fernández Muro, Fernando Vivanco, Ofelia Angélica
Laberinto de pasiones ist eine rasante Komödie in der Art der frühen Richard-Lester-Filme. Eine banale, aber verstrickte und intrigenreiche Geschichte, die in den Achtzigerjahren im Madrid der «Movida» spielt. Die Hauptfiguren: Sexilia, eine Nymphomanin und Tochter eines erfolgreichen Gynäkologen, der insbesondere auf künstliche Befruchtungen spezialisiert ist. Riza, der schwule Sohn eines entmachteten Tyrannen aus dem Nahen Osten, der für Sexilia seine Homosexualität an den Nagel hängt. Queti, die Tochter des Inhabers einer Kleiderreinigung, die allabendlich von ihrem gestörten Vater, der sie für seine Frau hält, vergewaltigt wird. Schliesslich eine Gruppe von islamischen Fundamentalisten, die wiederum den Prinzen Riza kidnappen wollen.
Die schrill-überdrehte Komödie (die wir auf einer 2009 neu gezogenen 35-mm-Filmkopie zeigen) ist unverschämt frech, voller unglaubwürdiger Wendungen und kitschig bis an die Grenze des guten Geschmacks. Almodóvar steigert Elemente des Fotoromans gnadenlos ins Absurde, Groteske und Surreale. Er verhöhnt die moralische Heuchelei während der Franco-Diktatur, indem er mit sämtlichen vorstellbaren Klischees spielt und jongliert.
Mo 3. 9. / Di 4. 9. > 19.15 Uhr


Deprisa, Deprisa

Carlos Saura, Spanien 1981; 99' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Berta Socuéllamos, José Antonio Valdelomar González, Jesús Arias, José María Hervás Roldán, María del Mar Serrano
Sommer in den Vorstädten von Madrid: Vier Jugendliche lassen sich treiben, rauchen Joints und ziehen Kokain rein, klauen hier ein Auto, das sie an einem abgelegenen Ort in Flammen aufgehen lassen, dort einen Fernseher. Aus den ziellosen Aktionen von drei jungen Männern und einer Frau auf der Suche nach dem schnellen Geld entwickelt sich eine Gewaltspirale, die sich immer schneller dreht. So hart die Jugendlichen bei ihren Überfällen vorgehen, so zärtlich und unbeholfen verhalten sie sich untereinander.
Tempo, Tempo fordert der Titel, und der Film kommt dem nach: Hastig, eilig, manchmal sich verhaspelnd und schliesslich eskalierend wie das Leben der vier porträtierten kriminellen Jugendlichen ist auch der erzählerische Rhythmus von Deprisa, Deprisa – treffend begleitet von den Fetzen spanischer Hits, die wie das Rauschen des Autoverkehrs die Stadt überlagern. Ursprünglich wurde Saura für einen Dokumentarfilm über das Phänomen steigender Jugendkriminalitäts-Raten und gehäufte Zeitungsmeldungen über Banküberfälle angefragt: Die Arbeitslosigkeit war hoch, ebenso wie die Inflationsrate (24 Prozent im Jahr 1977), überall schossen Bankfilialen aus dem Boden, um neue Kunden anzulocken, und rasch hatte sich der Konsum illegaler Drogen verbreitet. Saura interessierte sich für die Sprache, die Musik der «Marginados», die in den hochgezogenen Wohnsilos der Vorstädte Madrids wohnten. Dort fand er auch die LaiendarstellerInnen für seinen nunmehr fiktionalen Film, die nahe an ihrem eigenen Leben spielen.
Mo 3. 9. – Mi 5. 9. > 21.15 Uhr


Bilbao

Bigas Luna, Spanien 1978; 93' Sp/e (35 mm, Farbe) Mit Ángel Jové, Maika Thienen, María Martín, Isabel Pisano, Francisco Falcon, Jordi Torras, Pepita Llunell
Ein ödipales Drama im postfranquistischen Spanien: Leo lässt sich durch die irrlichternde Stadt Madrid treiben, wo er die Nachtclubtänzerin Bilbao aufspürt. Seine Mutter ist gestorben, als er ein Kind war. Nach deren Tod hatte die Familie die Haushälterin María engagiert, um ihn grosszuziehen. Die beiden leben immer noch im selben Haus wie Mutter und Sohn oder wie ein altes Ehepaar. Leos Onkel, das unbestrittene Oberhaupt des heruntergekommenen bourgeoisen Clans, hat nicht nur, Creon gleich, das Erbe an sich gerissen, sondern erinnert Leo mit seiner Wurstfabrik an das familiäre Vermächtnis von Schlachten und Morden. Um seiner Familie und den patriarchalen Pflichten zu entrinnen, flüchtet Leo in eine fetischistische Fantasiewelt, in der sich alles mit den neu gewonnenen Möglichkeiten des Konsums aneignen lässt. Getrieben von seiner possessiven Obsession, stellt er der Prostituierten Bilbao nach, ohne den Mut zu finden, sie anzusprechen und so einen menschlichen Kontakt herzustellen. Nur als Objekt und in einer entrückten Projektion ist ihm eine Annäherung möglich.
Bilbao, der öfters mit dem britischen Thriller Peeping Tom verglichen wurde, findet seine Inspiration auch in Buñuels El oder Sauras Peppermint frappé. In all diesen Filmen findet sich ein infantiler, impotenter Mann, der, von einer obsessiven Sexualität getrieben, hinter einer jungen «modernen» Frau her ist. Und in allen hat die männliche Hauptfigur ihre erotischen Passionen auf obsessive spektakuläre Aktivitäten, wie Fotografieren, Notizbücheranlegen oder Pornofilmeansehen, transponiert und ist unfähig, genitalen Sex zu vollziehen.
Mi 5. 9. > 19.15 Uhr
• Einmalige Vorführung auf einer neuen, raren 35-mm-Archiv-Filmkopie, die uns die Filmoteca de Catalunya, Barcelona, für eine Vorstellung zur Verfügung gestellt hat.



La comunidad
Álex de la Iglesia, Spanien 2000; 110' Sp/d (35 mm, Farbe) Mit Carmen Maura, Eduardo Antuña, María Asquerino, Jesús Bonilla, Marta Fernández Muro, Paca Gabaldón, Ane Gabarain
Die Kamera fliegt über die Strasse auf ein Madrider Eckhaus zu und schwebt hinauf bis zur dritten Etage. Hier schleicht eine Katze gerade durch ein offenes Fenster in eine komplett überschwemmte, heruntergekommene Wohnung. Draussen regnet es in Strömen. Julia, eine Immobilienmaklerin, findet auf ihrem Weg zu diesem einst prächtigen Haus aus dem neunzehnten Jahrhundert eine weggeworfene Joker-Karte auf dem Trottoir. Ob sie ihr Glück bringen wird, ob Julia die Wohnung verkaufen kann? Das Interesse der potenziellen Käufer hält sich in Grenzen. Aber dafür richtet sich die Maklerin im Verkaufsobjekt selber ein Liebesnest ein und lüftet das lukrative Geheimnis eines verstorbenen Nachbarn. Doch bald schon zeigen sich Risse in der Decke, stänkert ihr arbeitsloser Freund nur noch rum und hat sie die Hausgemeinschaft der Nachbarn sprichwörtlich am Hals …, bis sie von einem Jedi-Ritter gerettet wird.
Der virtuose Vorspann mit surrealistischen Anleihen und Reverenzen an Buñuel und Hitchcock kündet die folgende abgründige Geschichte schon an, in der Ameisen aus der Decke kriechen und die Menschen Opfer ihrer eigenen Gier werden. Angereichert ist die bitterböse Satire (mit einer wunderbaren Carmen Maura in der Hauptrolle) mit tief schwarzem Humor und burlesker Action.
Do 6. 9. – So 9. 9. > 21.15 Uhr


Los amantes del círculo polar
Julio Medem, Spanien 1998; 112' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Najwa Nimri, Fele Martínez, Nancho Novo, Maru Vadivielso, Peru Medem, Sara Valiente, Víctor Hugo Oliveira, Kristel Díaz, Pep Munné
In einer Zeit, als ihre Familien auseinanderbrechen, lernen sich Otto und Ana achtjährig zufällig auf dem Schulhof kennen. Sie hat ihren Vater verloren, seine Eltern wollen sich gerade trennen. Als sich durch einen glücklichen Zufall ihre Mutter und sein Vater näherkommen, werden Otto und Ana unzertrennliche Freunde. Sie geben sich Halt in schwierigen Zeiten, küssen sich zum ersten Mal sachte und lieben sich als Jugendliche heimlich. Nach einem weiteren Schicksalsschlag treibt es Otto in die Ferne. Er heuert als Pilot an und steuert fortan Transportflugzeuge durch die nördliche Hemisphäre – jeder sein eigenes Leben lebend, den anderen nie vergessend …, bis sie einander als Erwachsene herbeisehnen, in der Mitternachtssonne, am Rande des Polarkreises.
Los amantes del Círculo Polar ist ein traumhaft schöner, leichtfüssig erzählter Film. Julio Medem lässt die beide Hauptfiguren und ihre Leben umeinander kreisen, weil sie sich lieben, weil sie sich zwar verlieren, aber doch nicht voneinander loskommen, weil sie füreinander bestimmt sind. Medem ist einmal bei ihrem Blick, ihrer Wahrnehmung, ihrer Erinnerung und ihrer Vorstellung, einmal ganz bei ihm. Magisch, poetisch, melancholisch. «Es ist, als hätte man einen Blick in das Räderwerk getan, das den Lauf der Zeit bestimmt.» (Michael Althen)
Fr 7. 9. – Mi 12. 9. > 17.00 Uhr


El Sur

Víctor Erice, Spanien 1983; 95' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Icíar Bollaín, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Aurore Clément
Herbst 1957 im Norden Spaniens: Die fünfzehnjährige Estrella wacht auf. Draussen bellt ein Hund, sie hört ihre Mutter nach ihrem Vater Agustín Arenas rufen. Dieser bleibt jedoch verschwunden. Wo ist ihr Vater, und welche Beziehung hatte sie zu ihm? Sie findet unter ihrem Kopfkissen eine schwarze Dose mit einem Pendel und blickt auf ihre Kindheit zurück: Wie die Familie aus dem Süden in die kleine nordspanische Stadt gekommen ist, wie sie merkt, dass sie dieselben magischen Kräfte wie ihr Vater hat und mit ihm das Pendeln übt oder wie sie die Erstkommunion erlebt, zu der Verwandte aus dem Süden anreisen und ihr die Gründe von Vaters Exil im Norden offenbaren. Auch entdeckt sie eines Tages in Vaters Schreibtisch ein Foto einer ihr unbekannten schönen Frau, der Schauspielerin, Irene Ríos …
El Sur ist eine Annäherung einer Tochter an das anfänglich verklärte Bild ihres Vaters; eine Reflexion über Kindheit, über eigene Wurzeln, über Erinnerung. Ursprünglich war gedacht, dass Estrella in einer weiteren Stunde Film als Teenager in den Süden reist, um sich endgültig mit dem Bild ihres Vaters zu versöhnen und um glücklich erwachsen zu werden. Aus finanziellen Gründen konnte der Film nie zu Ende gedreht werden. Erices auch als Fragment wunderbares Werk enthält einen Film-im-Film, mit dem der spanische Regisseur Josef von Sternberg eine Reverenz erweist: Melodramatisch und nach seinem Vorbild ins Licht gesetzt, stirbt die Hauptdarstellerin Irene Ríos in Flor en la sombra einen wundervollen Leinwand-Tod.
Fr 7. 9. – So 9. 9. > 19.15 Uhr


Tesis
Alejandro Amenábar, Spanien 1996; 125' Sp/e (DVD, Farbe) Mit Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Xabier Elorriaga, Miguel Picazo, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Paco Hernández
Ángela, eine Filmwissenschaftsstudentin, schreibt ihre Abschlussarbeit über Gewaltdarstellung in den Medien. Der sie betreuende Professor Figuera ist mit ihrem geplanten Vorgehen einverstanden. Bei ihrem Mitkommilitonen Chema, der eine Sammlung an Splatterfilmen und Hard-Core-Pornos besitzt, deckt sie sich mit Sichtungsmaterial ein. Doch plötzlich nehmen ihre Recherchen eine unvorhergesehene Wendung: Figuera stirbt an einem Asthma-Anfall im Videoraum der Universität, und Ángela wird mit einem Snuff-Video konfrontiert, das die Folterung und Ermordung von Vanessa, einer ehemaligen Mitstudentin zeigt, die wie andere junge Frauen ihrer Madrider Universität vor einiger Zeit spurlos verschwunden ist. Zusammen mit Chema findet sie schnell einen Verdächtigen und begibt sich in Gefahr …
Amenábar spielt in seinem packenden Psycho-Thriller mit den unterschiedlichen Wiedergabe-Ästhetiken von Video- und Kinobildern, mit gezeigten und abgedeckten Einstellungen und mit dem voyeuristischen Blick – seiner weiblichen Hauptfigur und des Zuschauers. Mit seiner Geschichte nimmt er zudem Bezug auf die Mitte Neunzigerjahre aufgekommenen sensationslüsternen Reality Shows sowie auf einen konkreten Fall, der damals ganz Spanien beschäftigte: 1993 wurden drei Teenagerinnen in Alcasser, einem kleinen Dorf in Valencia, brutal ermordet.
Fr 7. 9. / Sa 8. 9. > 23.30 Uhr


Mar adentro
Alejandro Amenábar, Spanien 2004; 125' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas, Mabel Rivera, Celso Bugallo, Clara Segura, Joan Dalmau, Alberto Jiménez
Vor 27 Jahren brach Ramón beim Sprung ins Meer das Rückgrat. Seither liegt er querschnittgelähmt im Bett im Haus seines älteren Bruders. Mit Hingabe wird er von der Juristin Julia, der Pflegerin Gené und der Arbeiterin Rosa, die seinem Charme und seiner Selbstironie erliegen, gepflegt. Seinem Leiden, das er in Texten festhält und als «Briefe aus der Hölle» publiziert, will er durch einen Freitod entfliehen. Doch die Gesetzgebung und Ramóns Familie verhindern die aktive Sterbehilfe. Und Rosa hofft, ihn von seinem Sterbenswunsch abzubringen. Aber frei fühlt sich der ehemalige Seemann nur mehr, wenn er im Traum über die Berge zum geliebten Meer fliegt.
Alejandro Amenábars Melodrama wurde mit Preisen überhäuft und löste heftige Diskussionen über Sterbehilfe aus: Ist das Leben ein Recht jedes Einzelnen? Muss Leben eine Pflicht darstellen? Soll der Einzelne über seine eigene Existenz verfügen dürfen? Sein Film findet die richtige Balance zwischen der Darlegung verschiedener Standpunkte und der Poesie eines
ironisch romantischen Dramas. Sein Film, der auf einer wahren Begebenheit beruht, funktioniert dank seiner Authentizität und dem Spiel von Javier Bardem. Sein Sog entsteht auch «aus dem Widerspruch zwischen Anteilnahme und Machtlosigkeit» (Wolfram Knorr).
So 9. 9. / So 23. 9. > 14.30 Uhr


Jamón, Jamón
Bigas Luna, Spanien 1992; 95' Sp/e (35 mm, Farbe) Mit Penélope Cruz, Javier Bardem, Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Juan Diego, Jordi Mollà, Tomás Martín
In der flimmernden, staubtrockenen Sierra de Alcubierre: Silvia (Penélope Cruz), die Tochter einer Barbesitzerin und Gelegenheitsprostituierten, erwartet von José Luis ein Kind. Der bourgeoise Sohn einer Unterhosen-Fabrikanten-Familie möchte Silvia zwar heiraten, aber seine besitzergreifende Mutter wehrt sich mit allen Mitteln gegen diese «unwürdige» Verbindung. Sie engagiert Raúl (Javier Bardem), einen jungen Mann aus dem Dorf, der verhindern soll, dass sich Silvia und ihr Sohn weiterhin treffen. Raúl, den vorerst einzig das Geld reizt, kann der Anziehungskraft der furiosen Silvia nicht widerstehen, und die beiden verlieben sich unsterblich ineinander …
Der exzentrische Filmemacher Bigas Luna packt in sein hintergründig ironisches Erotik-Melodrama alles, was er an Spanien liebt. Jamón, Jamón ist eine «Geschichte voller Leidenschaft, Konflikten und mangelnder Zuneigung. Eine Geschichte, die Realismus mit ästhetischen Elementen mischt und zu surrealen Situationen führt». (Bigas Luna) Luna arbeitet mit den Mitteln des Esperpento und überhöht typisch spanische Symbole wie den Schinken oder den Stierkampf. Zwischen den beiden männlichen Kontrahenten, die schon mal mit Schinkenkeulen aufeinander losgehen, spielt die damals noch unbekannte siebzehnjährige Penélope Cruz ihre Rolle als verführerische «mujer jamona» mit grosser Klasse.
Mo 10. 9. – Mi 12. 9. > 19.15 Uhr


Flores de otro mundo

Icíar Bollaín, Spanien 1999; 108' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit José Sancho, Luis Tosar, Lissete Mejía, Chete Lera, Marilyn Torres, Elen Irureta, Amparo Valle, Rubén Ochandiano, Ángela Herrera
Ein Bus voller heiratslustiger Frauen fährt aus Madrid in ein abgelegenes Dorf in Guadalajara (Kastilien-La-Mancha). Dort werden die Erwartungsvollen von den ansässigen Junggesellen mit Rosen und Musik begeistert empfangen – manch einer erhofft sich eine Bekanntschaft, auch wenn nur für eine Nacht. Abgesehen von Marirrosi, einer Krankenschwester aus Bilbao, die sich in den gutmütigen Gärtner Alfonso verliebt, bleibt aber nur Patricia im Dorf hängen. Sachte ist die Dominikanerin dem erdverbundenen Damián (Luis Tosar) nähergekommen, auf dessen Hof sie schliesslich mit ihren beiden Kindern einzieht. Doch wie für Milady, die sich der begüterte Bauunternehmer Carmelo aus Kuba holt, ist für Patricia das Leben in diesem kargen Landstrich nicht immer einfach. Zumal Damiáns Mutter sie vorerst nicht akzeptieren will und ihr Exmann plötzlich auftaucht.
Die Single-Reise in ein einsames Dorf bildet für die spanische Regisseurin Icíar Bollaín Ausgangspunkt für eine realitätsnahe Geschichte. Humorvoll und einfühlsam erzählt sie in ihrem zweiten Spielfilm von alltäglichen Sehnsüchten, unvereinbaren Hoffnungen und Hindernissen für die Liebe; von Kulturschock, und von der Notwendigkeit, sich von der Mutter zu emanzipieren.
Mo 10. 9. – Mi 12. 9. > 21.15 Uhr


Los lunes al sol

Fernando León de Aranoa, Spanien 2002; 113' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Javier Bardem, Luis Tosar, José Ángel Egido, Nieve de Medina, Enrique Villén, Celso Bugallo, Joaquín Climent, Aida Folch
Fernseh-Archivaufnahmen zeigen eine Strassenschlacht zwischen Arbeitern und der Polizei, die gegen die Schliessung ihrer Werft demonstrieren. Den Filmfiguren aus Los lunes al Sol, die sich jeweils in der Bar ihres ehemaligen Kollegen Rico treffen, ergeht es wie den Männern aus dem richtigen Leben: Sie haben alle ihre Arbeit verloren. Der alte Amador will die Bar erst gar nicht mehr verlassen. José (Luis Tosar) leidet darunter, dass seine Ehefrau mit ihrem Job in der Fischkonservenfabrik für den Lebensunterhalt aufkommt. Lino wehrt sich gegen das Schicksal, färbt sich die grauen Haare schwarz, belegt Computerkurse bei seinem Sohn und bewirbt sich immer wieder neu. Nur der charmante Rebell Santa (Javier Bardem) hält sich mit verschiedenen Jobs über Wasser. Und doch: Ihre Situationen mögen aussichtslos erscheinen, ihren pointierten Witz verlieren die ehemaligen Werftarbeiter nicht. Und auch bei einem Fussballmatch, von dem man nur die Hälfte sieht, lässt sich Mitjubeln.
In seinem dritten Spielfilm Los lunes al sol erzählt der 1968 geborene Fernando León de Aranoa mit grosser Authentizität und Lakonie aus dem Leben «echter» Menschen. Seine Gesellschaftskritik lässt mit den Figuren mitfiebern, auf dass sie den Teufelskreis der Arbeitslosigkeit, des Alkohols und des gesellschaftlichen Niedergangs durchbrechen werden.
Do 13. 9. > 16.45 Uhr
Fr 14. 9. – Mi 19. 9. > 17.00 Uhr



La ley del deseo
Pedro Almodóvar, Spanien 1987; 102' Sp/fd (35 mm, Farbe) Mit Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina, Fernando Guillén, Manuela Velasco, Nacho Martínez
Der Regisseur Pablo Quintero inszeniert Cocteaus «La voix humaine» mit seiner transsexuellen Schwester Tina in der Rolle der verlassenen Frau. Pablo steht auf Koks, den Film und Sex. Als sein Freund Juan das sommerliche Madrid für einen Aufenthalt am Meer verlässt, gelingt es dem jungen Antonio, mit dem Regisseur ins Bett zu gehen und immer mehr von dessen Leben Besitz zu ergreifen. Er sucht Juan an dessen Ferienort auf, um den Nebenbuhler am Fuss eines Leuchtturms über die Klippen ins Meer zu stürzen. Damit lenkt er jedoch den Verdacht auf seinen Geliebten Pablo, der nach einem schweren Autounfall mit Amnesie im Spital liegt …
In La ley del deseo sind bereits alle Elemente enthalten, die Almodóvars Filme so einzigartig machen: schwülstige Erotik, leidenschaftliches Temperament, melodramatische Szenen, herzergreifende Gefühle, grelle Farbgestaltung und ein äusserst sorgfältig zusammengestellter Soundtrack. Mit der flamboyanten Carmen Maura, die sich in der nächtlichen Hitze mit einem unzweideutigen Wasserstrahl abspritzen lässt, hat Almodóvar die weibliche Ikone des spanischen Kinos der Achtzigerjahre geschaffen.
Do 13. 9. > 19.00 Uhr
Fr 14. 9. – So 16. 9. > 19.15 Uhr


Amanece, que no es poco
José Luis Cuerda, Spanien 1989; 110' Sp/e (35 mm, Farbe) Mit José Sazatornil, Carmen de Lirio, Francisco Martínez, Ovidi Montllor, Carmen Rodríguez, Rafael Díaz, Amada Tercero, Cassen, Manuel Alexandre
La Mancha-Kastilien, Ende Fünfzigerjahre: Teodoro, ein spanischer Ingenieur, der in die USA emigriert ist und an der Universität von Oklahoma lehrt, kehrt für eine Auszeit im Sommer nach Spanien zurück. Zusammen mit seinem Vater Jimmy, der sich eine Vespa mit Seitenwagen gekauft hat, fährt er in die Berge. Sie kommen in ein abgelegenes Dorf, in dem sich merkwürdige Vorgänge zeigen. Der Gottesdienst wird als Spektakel gefeiert, der Lehrer unterrichtet singend, der Priester und die Prostituierte werden ebenso gewählt wie der Bürgermeister. Und in den Gärten wachsen Pflanzenmenschen, die sich auch verlieben können …
Der 1947 geborene Regissur José Luis Cuerda reflektiert in Amanece, que no es poco satirisch über eine repressive Epoche und macht sich mit absurdem Humor über spanische Ansichten und Befindlichkeiten lustig. Sein surrealer Spielfilm lockte Ende der Achtzigerjahre, als er in die Kinos kam, nur wenig Publikum an. Doch seither hat er sich in Spanien zum absoluten Kultfilm entwickelt, der von vielen Spaniern sogar für die beste spanische Komödie überhaupt gehalten wird.
Do 13. 9. > 21.00 Uhr
Fr 14. 9. – So 16. 9. > 21.15 Uhr
• Am Do 13. 9. mit einer Einführung durch Cristina Urchueguía, Prof. in Musikwissenschaft an der Universität in Bern.


Crimen ferpecto
Álex de la Iglesia, Spanien 2004; 105' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Guillermo Toledo, Mónica Cervera, Luis Varela, Enrique Villén, Fernando Tejero, Javier Gutiérrez, Kira Miró
Der elegante Rafael ist ein unverbesserlicher Casanova, ein Verehrer von allem Weiblichen und von schillernden Scheinwelten. Sein Reich ist die Damenabteilung eines grossen Madrider Kaufhauses. Als leidenschaftlicher Verkäufer hat er nur zwei Ziele in seinem Leben: Er will Etagen-Chef werden und jede Mitarbeiterin verführt haben (jede, ausser Lourdes, die ihm erstens nicht gefällt und zweitens innere Werte vertritt, die ihm zuwider sind). Doch wird nach einem dummen Missgeschick prompt sein einziger Rivale aus der Herrenabteilung befördert. Darüber hinaus ist dieser bald auch noch tot, und seine Leiche muss beseitigt werden. Und plötzlich gerät Rafael in eine Abhängigkeit von Lourdes, die ihn in den Hafen der Ehe führen will.
Wer den Regisseur und überbordenden Satiriker Álex de la Iglesia kennt, weiss, in welche Turbulenzen und Abgründe der Film führen wird. Rafaels Leben wird zum Albtraum. Kann er es durch das «ferpekte Verbrechen» wieder in stillere Gewässer steuern? Mit rabenschwarzem Humor, witzigen Dialogen, einfallsreichen Spezialeffekten und hervorragenden SchauspielerInnen ist ihm erneut eine unterhaltsame Komödie gelungen.
Fr 14. 9. / Sa 15. 9. > 23.30 Uhr


Los santos inocentes

Mario Camus, Spanien 1984; 105' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Alfredo Landa, Terele Pávez, Belén Ballesteros, Juan Sachez, Susana Sánchez, Francisco Rabal
Extremadura, im Südwesten Spaniens: Ein Zug fährt in Zafra ein. Quirce kehrt, aus dem Militärdienst entlassen, nochmals in seine Heimat zurück, bevor er sich weit weg von dort in der Stadt eine eigene Existenz aufbauen will. Mit der Rückkehr erinnert er sich an seine Kindheit auf dem Gehöft von Iván, dem seine Eltern als einfache Knechte dienen. Sein Vater Paco erfährt unter dem Feudalherrn eine gewisse Achtung für die besondere Fähigkeit, bei der Jagd jedes erlegte Rebhuhn im offenen Feld aufzufinden. Doch auch für diese seine Kunst wird Paco letztlich nur ausgenutzt. Trotzdem nehmen Quirces Eltern, Paco und Régula, das Leben in Armut und die verlangte Unterwürfigkeit an, ohne dabei je ihre Würde zu verlieren. Nur Azarias, der leicht zurückgebliebene ältere Bruder Régulas, begehrt am Ende, als ihm sein Liebstes genommen wird, gegen die Herrschaft auf.
Der 1935 geborene Mario Camus gilt als Vorreiter des neuen spanischen Kinos. Er studiert nach einem abgebrochenen Jus-Studium Film und schreibt für Carlos Saura Drehbücher (z. B. Los Golfos (1960)), bevor er selber seine eigenen Filme realisiert. Hintergrund von Los santos inocentes, der auf dem gleichnamigen Roman von Miguel Delibes basiert, bilden die in den dunklen Jahren der Franco-Diktatur gefestigten Feudalstrukturen. Beklemmend eindrücklich spielen in diesem Vertreter eines spanischen Realismus die Hauptdarsteller Francisco Rabal (Azarias) und Alfredo Lando (Paco), die bei der Uraufführung in Cannes ex aequo mit dem Preis Beste Schauspieler ausgezeichnet wurden. Ein Klassiker!
Mo 17. 9. – Mi 19. 9. > 19.15 Uhr


Abre los ojos

Alejandro Amenábar, Spanien 1997; 117' Sp/fe (35 mm, Farbe) Mit Eduardo Noriega, Penélope Cruz, Chete Lera, Fele Martínez, Najwa Nimri, Gérard Barray, Jorge de Juan
Der gut aussehende und ebenso narzisstische Womanizer César hat alles, was er sich zum Leben wünscht: Geld, Charme und jede Menge attraktiver Frauen, die ihn umschwärmen. Auf einer Party stellt ihm sein bester Freund Pelayo seine neue Liebe, die Theaterwissenschaftlerin Sofia vor, eine Schönheit, von der der notorische Playboy augenblicklich fasziniert ist. César verbringt eine ungewöhnliche Nacht mit Sofia, in der sich die beiden ganz allmählich näherkommen. Am nächsten Morgen ist er überzeugt, die Frau seines Lebens gefunden zu haben. Noch tief beeindruckt von dieser Begegnung, wird er vor Sofias Haus von Nuria erwartet, einer seiner verflossenen und verschmähten Liebschaften. Er steigt in ihren Wagen, den die eifersüchtige Frau in einen Abgrund steuert. César überlebt schwer verletzt und mit entstelltem Gesicht. Alles scheint wie ein Traum, der sich allerdings als Albtraum entpuppt, als die eigentlich tote Nuria auftaucht …
Der Psychothriller Abre los ojos oszilliert zwischen zwischen Wahn und Wirklichkeit, Absurdität und Albtraum und wartet mit subtilen, zuweilen auch harten Schockeffekten auf. Ebenso ambivalent brilliert Penélope Cruz in ihrer erotischen Hingabe, aber auch kühlen Ablehnung gegenüber César.
Mo 17. 9. – Mi 19. 9. > 19.15 Uhr


Biutiful

Alejandro González Iñárritu, Mexiko/Spanien 2010; 148' SP/df (35 mm, Farbe) Mit Javier Bardem, Maricel Álvarez, Hanaa Bouchaib, Guillermo Estrella, Eduard Fernández, Cheikh Ndiaye, Diaryatou Daff
Barcelona: Uxbal hält sich mit illegalen Geschäften über Wasser: Er organisiert den Verkauf gefälschter Markenartikel über einen Ring von Einwanderern, schmiert die Polizei und vermittelt Sans papiers an seinen Bruder, der als Bauunternehmer tätig ist. Grosse Erwartungen an sein Leben hat er keine mehr. Er lebt mit seinen beiden Kindern in einer engen Wohnung – getrennt von seiner an einer bipolaren Störung leidenden Exfrau Marambra. Ana und Mateo bedeuten ihm alles. Ihnen will er eine sichere Zukunft bieten, auch wenn ihm nur noch wenig Zeit bleibt …
Alejandro González Iñárritu (Amores perros, Babel) schickt seine Hauptfigur auf eine packende Höllentour. Dank dem grandios intensiven Schauspiel von Javier Bardem verliert dieser Mann, der ohne Vater aufgewachsen ist, nie seine Würde und macht trotz allen erlebten Widrigkeiten sichtbar, warum es sich zu leben lohnt. «So verwegen konstruiert die Grundidee erscheint, so wahrhaftig ist diese Feier des Lebens im Angesicht seiner Auflösung … Seine Fantasie lenkt er [Iñárritu] diesmal in eine einzige, umso stärker ausgemalte Bilderzählung.» (Daniel Kothenschulte, «Frankfurter Rundschau»).
Do 20. 9. – So 23. 9. > 21.15 Uhr


Te doy mis ojos

Icíar Bollaín, Spanien 2003; 109' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa Maria Sardà, Kiti Manver, Sergi Calleja, David Mooney
In der Umgebung von Toledo gefilmt
Nach neun Jahren Ehe mit dem gewalttätigen Antonio flüchtet Pilar mit ihrem Sohn Juan und nur dem Allernötigsten aus Madrid nach Toledo zu ihrer Schwester Ana. Sie findet dort Arbeit in einem Kunstmuseum und neue Freunde, liebt aber ihren Mann immer noch. Er kommt auf Besuch. Beide sehnen sie sich nach einem Ausweg aus der Ehekrise. Während er sich einer Therapie unterzieht, gibt der neue Job Pilar Selbstvertrauen und verhilft ihr zu grösserer Eigenständigkeit.
Die spanische Regisseurin Icíar Bollaín «kneift nicht vor der Gewalt, vor Schmerz und Angst. Aber sie interessiert sich für das rätselhafte Trotzdem, mit dem sich Pilar und Antonio immer wieder um den Hals fallen. Bis zum nächsten Mal» (Birgit Glombitza, «Die Zeit»). Gerade diese Zerrissenheit der Figuren und der Liebe macht die Kraft des Films aus und erklärt den Überraschungserfolg bei Publikum und Presse. Pilar findet schliesslich ihren eigenen Weg, während Antonio mit seinen Ängsten konfrontiert wird, mit der eigenen Machtlosigkeit, der Stupidität seines Jobs und mit einem damit unheilvoll verbundenen traditionellen Rollenverständnis. Und dabei verstehen es die beiden Hauptdarsteller Laia Marull und Luis Tosar, «ihre Figuren wirklich zum Leben zu erwecken» (Simon Spiegel).
Fr 21. 9. – Mi 26. 9. > 17.00 Uhr


Son de mar

Bigas Luna, Spanien 2001; 95' Sp/d (35 mm, Farbe) Mit Jordi Mollà, Leonor Watling, Eduard Fernández, Sergio Caballero, Neus Agulló, Pep Corés, Juan Muñoz
An der Ostküste Spaniens spült das Meer eine Leiche an den Strand, wo bereits ein seiner Beweglichkeit beraubtes Krokodil auf dem Rücken liegt. Die archetypische Liebesgeschichte über die schöne Martina und den Lehrer Ulises, die zu einem früheren Zeitpunkt einsetzt, wird zu dieser Anfangssequenz zurückführen: Ulises ist gerade neu in der Kleinstadt an der Küste von Alicante angekommen, wo er lustlosen Gymnasiasten die grossen Werke der Literatur näherbringen soll. Er mietet sich in der Pension eines Wirtshauses ein, und erblickt dort die Tochter des Hauses, Martina, die gerade triefende Unterwäsche aufhängt. Gerne sähe das Wirtepaar ihre Tochter mit dem reichen Baulöwen Alberto vermählt. Doch Martina entscheidet sich gegen den Luxus und für die Liebe sowie intensiven Sex. Martina und Ulises heiraten und haben einen gemeinsamen Sohn Pablo. Sie sind glücklich, bis Ulises den Klängen der Sirenen folgt …
Manche Kritiker mögen Bigas Lunas Film als bonbonfarbenen Kitsch und oberflächliches Erotikdrama abtun. Doch übersehen sie dabei die bewusst eingesetzte Ironie und das Spiel mit überlieferter Mythologie, in der «das Meer der Inbegriff des ewigen Werdens und Vergehens, die Wiege aller Kreaturen und erbarmungslose, verschlingende Urgewalt» ist (Bettina Bremme, «Berliner Zeitung»). Luna malt die Sehnsucht nach der absoluten Liebe aus, die Unmöglichkeit, dieses Gefühl des Einswerdens zu konservieren. Und doch: «Wenn man diese stürmische Leidenschaft findet, sollte man besser eine Rettungsweste tragen.» (Bigas Luna)
Mo 24. 9. – Mi 26. 9. > 21.15 Uhr


La piel que habito

Pedro Almodóvar, Spanien 2011; 120' Sp/df (DCP, Farbe) Mit Antonio Banderas, Elena Anaya, Blanca Suárez, Marisa Paredes, Fernando Cayo, Eduard Fernández
Vera, eine junge Frau, lebt in der Schönheitsklinik von Dr. Roberto Ledgard (Antonio Banderas), einem Experten für plastische Chirurgie und Erfinder einer gentechnisch entwickelten synthetischen Haut. Ledgard pflegt, beobachtet und kontrolliert jede Bewegung seiner einzigen Patientin Vera, die in ihrem luxuriös eingerichteten Zimmer eingeschlossen zu sein scheint. Doch wer ist diese Frau? Hängt ihre Person mysteriöserweise mit seiner verstorbenen Ehefrau und/oder mit seiner Tochter zusammen? Welche Rollen spielen die Haushälterin Marilia (Marisa Paredes) oder der junge Vincente, der im Kleidergeschäft seiner Mutter arbeitet und eines Tages verschwindet?
Pedro Almodóvar offenbart das Geheimnis um Roberto Ledgards Obsession nur allmählich und verwickelt den Zuschauer in die verschlungenen Verstrickungen von verschiedenen Formen der Liebe, Abhängigkeit, Eifersucht und der Rache «in einem hinreissend schrägen Mix aus grossem Melodram und Psychothriller mit kleinen Ausflügen ins Absurd-Komödiantische» (Joachim Kurz). Zwanzig Jahre nach Ley del deseo arbeitete der spanische Meisterregisseur auf seinem Höhepunkt der Virtuosität nochmals mit Antonio Banderas zusammen, der unter seiner Regie zum Star wurde.
Do 27. 9. – Mi 3. 10. > 16.45 Uhr


My Life Without Me

Isabel Coixet, Spanien/Kanada 2003; 106' E/df (35 mm, Farbe) Mit Sarah Polley, Amanda Plummer, Scott Speedman, Leonor Watling, Deborah Harry, Maria de Medeiros, Mark Ruffalo
Ann, Mitte zwanzig, lebt mit ihren beiden Töchtern und dem zumeist arbeitslosen Ehemann Don in einer Wohnung im Garten ihrer Mutter, deren morbide Geschichten, die sie den Kindern erzählt, Ann nicht mag. In der Nacht verdient sie Geld mit Putzen. Und eines Tages erfährt sie, dass sie nur noch wenige Monate zu leben hat. Anstatt sich Trost bei den anderen zu suchen, entscheidet sie sich, niemandem etwas von ihrer unheilbaren Krankheit zu sagen und all jene Dinge zu realisieren, die sie im kurzen Rest ihres Lebens noch erlebt haben möchte: eine Dauerwelle beispielsweise, aussprechen, was sie denkt, einen anderen Mann in sich spüren als nur ihren bisher einzigen Don. Und dann will sie auch noch ein paar Dinge geregelt haben für die Zukunft ihrer beiden Kinder …
Fern jeglicher Gefühlsduselei schärft Isabel Coixet mit ihrem Melodrama den Blick für die vergänglichen Kostbarkeiten des Lebens. Und manch einer wird nach diesem hinreissend optimistischen Film seine eigene Liste der wirklich wichtigen Dinge aufstellen … Für ihr Drehbuch hat die spanische Regisseurin eine Kurzgeschichte von Nanci Kinkaid adaptiert und Sarah Polley auf den Leib geschrieben. Wunderbar, wie Polley in der ersten aussereuropäischen Produktion von Pedro Almodóvars Firma El Deso mädchen- und heldenhaft zugleich die junge sterbenskranke Mutter verkörpert.
Do 27. 9. – So 30. 9. > 19.00 Uhr


Premiere La soledad
Jaime Rosales, Spanien 2007; 130' Sp/e (35 mm, Farbe) Mit Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencía, María Bazán, Jesús Cracio, Lluís Villaneueva
In drei Kapiteln und einem Epilog erzählt Jaime Rosales aus dem Leben von Adela und der Familie von Inés. Adela, eine junge geschiedene Mutter, verlässt mit ihrem kleinen Sohn ein baskisches Dorf und ihren arbeitslosen Exmann Pedro, um in Madrid ein neues Leben zu beginnen. Inés, Nieves und Helena sind die erwachsenen Töchter von Antonia, die in Madrid einen kleinen Super-Markt führt. Der Familiensegen hängt schief, da Antonia auf Drängen ihrer Tochter Hélena die Eigentumswohnung verkaufen will. Derweil gelingt Adele ein Neuanfang: Sie findet ein Zimmer in einer Gemeinschaftswohnung, die sie mit Inés und Carlos teilt, und auch einen Job als Messehostess. Doch das bessere Leben wird erneut infrage gestellt, als eine Bombe explodiert.
Die Kraft von La soledad entwickelt sich im Verlauf des Films und dank der konzentrierten Teilhabe am Leben der verschiedenen Frauen. Der 1970 geborene Regisseur, der seine Filmausbildung auf Kuba und in Australien absolviert hat, zeigt das Alltägliche in der konsequenten Verwendung von Splitscreens aus verschiedenen Perspektiven, legt aber den Fokus ganz auf «das diffuse Gefühl davon, was Leben ausmacht: die «kleine» Welt um einen herum und die Beziehungen zu den anderen» (Jaime Rosales). Ihn interessieren die Sensibilität und die Fähigkeit der Menschen, unvorhergesehene Schicksalsschläge durchzustehen. Dabei fängt er Momente von Gefühlsverletzungen sowie von Glück ein.
Do 27. 9. / So 30. 9. > 21.15 Uhr



Azuloscurocasinegro
Daniel Sánchez Arévalo, Spanien 2006; 105' Sp/d (35 mm, Farbe) Mit Quim Gutiérrez, Marta Etura, Antonio de la Torre, Héctor Colomé, Raúl Arévalo, Eva Pallarés, Manuel Morón
Jorge hadert mit seinem Leben. Seit sieben Jahren pflegt er seinen nach einem Schlaganfall behinderten Vater. Trotz dem in der Freizeit abgeschlossenen Fernstudium arbeitet er «nur» als Concierge in einem Wohnblock in Madrid. Seine Minderwertigkeitsgefühle stellen auch die Beziehung zur Jugendliebe Natalie in Frage, die aus einer reicheren Familie stammt und gerade von einem Auslandaufenthalt zurückgekehrt ist. Immerhin kämpft sein Freund Israel, mit dem er die Abende auf der Dachterrasse verbringt, ebenfalls mit einer Identitätskrise. Und plötzlich taucht auch noch der Bruder Antonio mit einem ungewöhnlichen Wunsch auf. Gerade aus dem Gefängnis entlassen, will dieser, dass Jorge mit dessen inhaftierter Freundin Paula schläft, da sie unbedingt ein Kind will und es mit Antonio selber nicht klappt.
Arévalos Spielfilm-Erstling wurde bei der Verleihung des spanischen Filmpreises mit drei Goyas überhäuft (für Regie, den Hauptdarsteller Quim Gutiérrez als Jorge und den Nebendarsteller Antonio de la Torre (als Antonio), der auch in Balada Triste de trompeta zu entdecken ist) und war in Spanien ein grosser Kinoerfolg. Tatsächlich verknüpft der 1970 geborene Spanier mit selbstsicherer Hand die wild anmutenden, aber stimmigen Handlungsstränge «zu einem komplexen Geflecht, dessen düsterer Grundton dennoch eine flirrende Leichtigkeit besitzt» (Geri Krebs, NZZ).
Fr 28. 9. / Sa 29. 9. > 21.15 Uhr



Volver
Pedro Almodóvar, Spanien 2006; 121' Sp/df (35 mm, Farbe) Mit Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, Antonio de la Torre, Carlos Blanco
Raimunda und ihre Schwester, die in ihrer Wohnung einen illegalen Friseursalon führt, stammen aus einem kleinen Dorf in La Mancha. Powerfrau Raimunda versorgt mit Putzen ihre pubertierende Tochter Paula und ihren arbeitslosen Ehemann Paco, der am liebsten mit einer Bierdose vor dem Fernseher hockt. Der einzige Mann in der Familie muss zu Recht eines Tages sein Zeitliches segnen, nicht aber ohne vorher ein behütetes Familiengeheimnis halb gelüftet zu haben. Zusätzliche Fragen an die Vergangenheit stellen sich, als der sehr lebendige Geist der verstorbenen Mutter der beiden Schwestern auftaucht. Doch vorerst hat Raimunda mit sehr praktischen Dingen alle Hände voll zu tun: mit der Beseitigung einer Leiche, dem zum Verkauf stehenden ehemaligen Restaurant des Nachbars Emilio und einem Filmteam, das verköstigt werden will. Unbedingte Frauensolidarität ist da gefragt.
Das Feel-Good-Movie Volver lässt bei aller Vergnügtheit, Kühnheit und gelebten Solidarität jederzeit einen Lebensschmerz durchschimmern, den die drei Generationen von Frauen mit sich rumtragen. Gerade dank dieser lebensnahen Verankerung sowie des mit bedacht eingestreuten Übernatürlichen und Grotesken entwickelt die Tragikomödie mit einer grossartigen Penélope Cruz und Carmen Maura ihre wahre Kraft.
Fr 28. 9. / Sa 29. 9. > 23.15 Uhr


Finisterrae
Sergio Caballero, Spanien 2010; 80' Russ/e (BluRay, Farbe) Mit Pau Nubiola (Stimme: Pavel Lukiyanov), Santí Serra (Yuri Mykhaylychenko), Claudia Schneider, Catherine Allard, Jordi Picazos
Zwei frisch Verstorbene haben keine Lust auf ihr Dasein im Land der Schatten. Sie hoffen, über den Jakobsweg ans Ende ihres Universums zu gelangen, um von dort einen erneuten Zugang in die Welt der Lebenden zu finden. Auf ihrer Wanderung durch unwirtliche Landstriche, mal auf dem Rücken eines Pferdes, mal im Rollstuhl, begegnen sie eigenartigen Wesen, Bäumen mit Ohren oder sprechenden Tieren. Es ist ein Weg der Selbstprüfung, auf dem die beiden munter über das Sein philosophieren. Wer sich erst einmal auf die ungewöhnliche Ausgangssituation eingelassen hat, wird schnell von den atmosphärisch-expressiven Roadmovie-Landschaftsbildern von Kameramann Eduard Grau (A Single Man) in Bann gezogen. Aber auch die Ironie und der surreale Humor machen die Magie dieses unorthodoxen Filmes aus, dessen Geschichte mit Dialogen in russischer Sprache erst im Schneideraum entstand.
Der 1966 geborene Sergio Caballero ist Co-Leiter des Sónar-Festivals für neue Musik und Multimedia-Kunst. Er bewegt sich in verschiedenen Kunstgattungen von der Skulptur bis zu konzeptueller Kunst und elektronischer Musik. Zusammen mit Pedro Alcalde enstanden sechs Kompositionen für die National Dance Company. Sein Erstling Finisterrae wurde am Filmfestival Rotterdam 2011 als bester Film mit dem Tiger Award ausgezeichnet. (1. Bildrausch-Filmfest Basel)
Mo 1. 10. – Mi 3. 10. > 21.15 Uhr

Hommage an Lucrecia Martel


Sinnlich existenzielle Einblicke

Die Kamera blickt auf die duschende Momi, deren nackte Füsse den von José stammenden Dreck in der Badewanne zum Abfluss schieben. Das Zärtliche in diesen Bildern macht das Begehren des Teenagers sichtbar: Das Wasser, das über die junge Frau hinabrinnt, die Bewegung ihres Fussballens, der über die erdigen Rückstände des abwesenden Bruders streicht. Die Bilder sind Teil einer Sequenz, die sich gegen Ende des Films La ciénaga von Lucrecia Martel im Badezimmer eines Landhauses im Nordosten von Argentinien abspielt. Und sie stellen nur einen thematischen Erzählstrang im Regieerstling der argentinischen Filmemacherin dar, den Pedro Almodóvar für einen der besten Filme des Jahres 2001 hielt – sieben Jahre später würde er mit seiner Produktionsfirma El Deseo ihren dritten, bisher letzten Langfilm La mujer sin cabeza (2008) mitproduzieren.

In Lucrecia Martels familiären Ensemblefilmen vermengen sich existenzielle Themen, offenbaren sich verschlungene Beziehungen zwischen den wie beiläufig vorgestellten Figuren und entwickeln sich aus den gezeigten Konstellationen und mysteriösen Geschehnissen allmählich dramatische Höhepunkte. Die ZuschauerInnen werden dabei unmittelbar in ein ständiges (moralisches) Hinterfragen des Gesehenen und Gehörten verwickelt: Wie hängen Momi, José und Isabel mit den verschiedenen Ereignissen zusammen? Auf welche Art und Weise nehmen die einzelnen Figuren eine bestimmte Situation wahr? Wie legen sie diese aus, und welche Emotionen verbinden sie – und wir selber – mit ihr? Der Raum im Off, einzelne Dialogzeilen, Geräusche sowie die Töne spielen bei dieser aktiven Konstruktion der (filmischen) Realität eine ebenso wichtige Rolle wie das konkret dargestellte Bild.
In La ciénaga schüchtern die Kinder der Tante Tali ihren kleinen Bruder mit einem Märchen über eine monströse Hunderatte ein, deren Vergegenwärtigung ihn zu unvorsichtigem Handeln verleiten wird; wie sich fest verankerte Klassenunterschiede unmerklich auf das jeweilige Verhalten und die Beziehungen der Protagonisten auswirken, zeigt die Freundschaft zwischen Momi und dem indianischstämmigen Dienstmädchen Isabel; und wie in La niña santa (2004) findet sich auch in ihrem Erstling die Faszination für religiöse Einbildungskraft sowie für die thematische Vereinigung einer ersehnten spirituellen Erfahrung mit dem Erblühen körperlichen Verlangens: Im flimmernden Fernseher berichten im Verlauf des Films verschiedene Leute leidenschaftlich von ihren Erscheinungen der Heiligen Maria. Und während draussen die Hitze drückt, liegen Momi und Isabel zu Beginn des Films wie ein Liebespaar umschlungen auf einem schmalen Bett und machen Siesta. Flüsternd bedankt sich Momi bei Gott für die Existenz und die Nähe Isabels.

Deutlich wird in ihren Filmen auch, was Martel in verschiedenen Interviews betont: Ihre Filme sind beeinflusst von eigenen Erinnerungen, den Geschichten der Grossmutter, Stimmungen und Eindrücken an einen Ort, den sie sich bewahrt hat, oder von ihren ersten Kinoerfahrungen – sie liebte als Kind den Horrorfilm und den Western. Lucrecia wächst in Salta im Nordwesten Argentiniens auf, in einer Region, die stark katholisch geprägt ist. Die Schule lehrt sie ein allgemeingültiges sinnstiftendes Wertesystem, das um einen lenkenden Gott kreist. Allerdings werden die daraus folgenden eindeutigen Zusammenhänge mysteriöser und unsicherer, je mehr dieser Glaube schwindet. Durch den Verlust der religiösen Autorität sind «wir auf unsere eigene Existenz zurückgeworfen, unsere Verantwortung und unseren eigenen Sinn für Gerechtigkeit» (Lucrecia Martel). Wir sind also gezwungen, unsere Wahrnehmungen und Emotionen, die wir mit den Dingen und den Menschen unserer Umwelt verbinden, zu deuten und einzuordnen – ohne dass es eine einzige Wahrheit gibt.
Auch ihre Vorliebe für das Magische im Alltäglichen hat ihren Ursprung in der Kindheit: Sie liebte die Geschichten der Grossmutter, die sich die verrückten im Dschungel von Misiones spielenden Erzählungen des uruguayisch-argentinischen Schriftstellers Horacio Quiroga aneignete und in immer wieder neuen Variationen erzählte.
Sie beginne ihre Filme oft mit einer Sammlung einzelner Bilder, einer abstrakten Idee, einem frappierenden Satz – besonders wichtig seien ihr dabei auch Töne und Geräusche, sagt Martel. Eine sehr physische Erfahrung stand am Anfang von La niña santa: Im Alter von neun oder zehn Jahren besuchte Lucrecia mit ihrer Familie ein altes Badehotel aus dem 19. Jahrhundert, wo sich die Reichen früher den Dreck der Stadt weggewaschen hatten: «Wir wandelten durch die Gänge und um die vorhandenen Schwimmbecken herum. Ohne eine genaue Vorstellung davon zu haben, gab es da etwas sehr Erotisches. Die ganze Architektur war auf den menschlichen Körper hin konzipiert.» (Lucrecia Martel)

In Salta schreibt sich die 1966 geborene Martel an der lokalen Universität in Geschichte ein. In Buenos Aires belegt sie einen Studiengang in Social Communication, den sie jedoch nicht abschliesst. Dagegen absolviert sie einen Kurs für Animationsfilm. Sie realisiert verschiedene Kurzfilme und lernt dadurch andere junge FilmemacherInnen kennen. Der zwölfminütige Rey Muerto (1995), der ihr zu Aufträgen für TV-Serien und Fernseh-Dokumentationen verhilft, ist Teil von Historias Breves, einem durch das INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) finanzierten einflussreichen Omnibusfilm. Rückblickend markiert dieser den Anfang jenes neuen argentinischen Kinos, das Ende der Neunzigerjahre just in der ökonomischen Krise Argentiniens aufblühte. Innerhalb dieser argentinischen Nouvelle Vague zählt Lucrecia Martel gemeinhin zu den talentiertesten und eigensinnigsten FilmemacherInnen.

Das Element Wasser taucht in fast allen ihrer Filmen auf: Es tropft, gurgelt und rauscht, mal leise mal laut, die Figuren baden im stiebenden Bach, waschen sich, duschen, schäumen die dunklen langen Haare ein, das Wasser steht ihnen manchmal bis zum Hals, oder sie verschwinden in Swimmingpools, die wie in La Ciénaga anfänglich undurchsichtig und blätterbedeckt sind, deren geklärtes Wasser am Ende aber doch noch zum Eintauchen einlädt. Beat Schneider


Eine Frau mit Kopf – eine Einführung in das Schaffen von Lucrecia Martel durch Fred van der Kooij
Die Bedeutung von Lucrecia Martel zeigt sich in der Art und Weise wie sie aus einer gegebenen konkreten Ausgangssituation filmisch etwas ganz Neues schafft – fern der totgelaufenen Wege kausal gesteuerten Erzählens. So zeigt die argentinische Filmemacherin ganz andere, scheinbar unzusammenhängende Konsequenzen, gibt rätselhafte Stimmungen und Erlebnisse wieder oder fängt fast schon dokumentarisch in sich instabile Situationen ein. Derart macht sie den Zuschauer zu einem Entdeckungsreisenden innerhalb des Lebens von (zwangsläufig) fremden Leuten, der das Geschaute ständig einordnen und hinterfragen muss. Der Filmemacher und Filmtheoretiker Fred van der Kooij führt anhand von Beispielen aus Martels La mujer sin cabeza die Faszination und das Neuartige dieser Art von Narration vor.
Do 20. 9. > 19.30 Uhr


Premiere: La mujer sin cabeza
Lucrecia Martel, Argentinien/Frankreich/Italien/Spanien 2008; 87' SP/e (DCP, Farbe) Mit María Onetto, Claudia Cantero, César Bordón, Daniel Genoud, Guillermo Arengo, Inés Efron, María Vaner
Verónica, eine Zahnärztin, ist mit ihrem Wagen auf dem Weg nach Hause, als sie gedankenverloren einen Unfall verursacht: Ein dumpfer Schlag. Sie bremst. Sie hat etwas überfahren. Doch war es «nur» ein Hund, wie ihr Blick zurück zu bestätigen scheint? Oder viel eher, wie es die vermeintlichen kindlichen Handabdrücke auf der Fensterscheibe anzudeuten scheinen, eines der Strassenkinder, die da gerade noch im Abwasserkanal gespielt haben? Betäubt, bleibt die elegante Verónica einen Moment unbeweglich im Auto sitzen, bevor sie, ohne auszusteigen oder die Polizei zu benachrichtigen, nach Hause fährt. Körperlich fehlt ihr nichts, als sie ihrem Ehemann vom Vorfall berichtet, aber der Verdacht, sie könnte ein Kind überfahren haben, verfolgt sie ebenso wie der beunruhigende Gedanke, sie könnte zur Rechenschaft gezogen werden …
Lucrecia Martel stellt in La mujer sin cabeza stärker als in ihren beiden anderen Filmen ihre Hauptfigur in den Mittelpunkt des Geschehens. Sie beleuchtet, wie diese durch das Ereignis des Unfalls aus der gewohnten Bahn geworfen wird und wie die geahnte Schuld, die sie zu verdrängen sucht, sich in ihr und in ihrem gehobenen Umfeld ausbreitet. «Genau das ist es, was La mujer sin cabeza zu einem grossartigen Film macht: die präzise Artikulation des Unpräzisen, der Verwirrung, des Chaos, eines aus dem Takt geratenen Lebens.» (Lukas Foerster)

Vorfilm: Rey muerto, Lucrecia Martel; 12' Sp/e (DVD, Farbe) Mit Rolly Serrano, Sandra Ceballos, Carlos Aldana, Marcelo Machuca
Juana hat genug von ihrem gewalttätigen Ehemann und will mit ihren drei Kindern das Dorf verlassen …
Do 20.9. > 21.00 Uhr
Fr 21. 9. / Sa 22. 9. > 19.15 Uhr

La cinéaga
Lucrecia Martel, Argentinien/Frankreich/Spanien 2001; 103' SP/df (35 mm, Farbe) Mit Mercedes Morán, Graciela Borges, Martín Adjemián, Leonora Balcarce, Sivlia Baylé, Sofia Bertolotto, Juan Cruz Bordeu, Noelia Bravo Herrera
Um der Hitze in der Stadt zu entfliehen, verbringt Mecha, eine Frau um die fünfzig, den Sommer auf dem Landsitz La Mandragora, dessen Glanz längst verblichen ist. Gekommen ist sie mit ihren vier Kindern und ihrem Mann, der mit kleinen Hilfsmittelchen gegen die Spuren der Zeit ankämpft. Auch ein paar Drinks helfen über die kleineren und grösseren Sorgen hinweg. Oder, wie ihre Schwester Tali sagen würde: In diesem Hause ist der Alkohol der liebste Gast. Tali hat ebenfalls vier Kinder und einen Mann, der sein Haus und seine Kinder liebt und ein leidenschaftlicher Jäger ist. Ein Grollen über den Bergen kündet ein nahes Gewitter an, das den Boden der Felder in einen sumpfigen Morast verwandeln wird, während die Geschehnisse ihren Lauf nehmen …
Mit Hingabe und Präzision beobachtet Lucrecia Martel in ihrem Erstling die Erwachsenen, die mit ihren unbefriedigten Sehnsüchten klarzukommen versuchen, sowie die Kinder und die Teenager Momi, Vero und Isabel, für die ein Ereignis noch eine neue Erfahrung bedeutet – «so fremd und dennoch stimmig, so seltsam angeschnitten und dabei doch so genau komponiert, dass man sich ihrem Rhythmus einfach überlassen muss wie einem Rausch, den man nicht kennt und trotzdem verführerisch findet» (Katja Nicodemus, «Die Zeit»).
So 23. 9. – Mi 26. 9. > 19.15 Uhr

Premiere La niña santa
Lucrecia Martel, Argentinien/Italien/Niederlande/Spanien 2004; 106' SP/fe (35 mm, Farbe) Mit Mercedes Morán, Carlos Belloso, Alejandro Urdapilleta, María Alche, Julieta Zylberberg, Mía Maestro, Marta Lubos, Arturo Goetz, Alejo Mango
Salta: Mit ihrem choralen Gesang und ihrem Unterricht erweckt eine Religionslehrerin in ihren Schülerinnen Amalia und Josefina das Verlangen nach spiritueller Erfahrung. Gleichzeitig erblüht in den beiden ein sexuelles Begehren, das die gelehrte Religion erst für die Zeit nach der Heirat vorsieht. Amalia wächst in einem altehrwürdigen Hotel auf, das die geschiedene Mutter Helena zusammen mit ihrem Bruder führt. Zwar blättert hier und da die Farbe etwas ab, doch scheint der Glanz des schönen Hauses immer noch durch. Wie jedes Jahr findet im grossen Saal ein Ärztekongress statt. Auch Dr. Jano ist gekommen, der sich in einer Menschentraube um einen Theramin-Spieler Amalia ungebührlich annähert. Diese kurze Zügellosigkeit löst in der jungen Frau ambivalente Gefühle aus, die sie im Gespräch mit Josefina weiter ausmalt. Gleichzeitig hat die charismatische Helena ein Auge auf Dr. Jano geworfen.
Das schwüle Klima hat sich des kolonialen Badehotels bemächtigt, die Leute ziehen sich in die Intimität der schattigen Zimmer zurück oder suchen Abkühlung im Swimmingpool, wo sie einander begegnen. Mit sichtlicher Freude spielt Lucrecia Martel mit den unterschiedlichen Bedingungen des Privaten und Öffentlichen sowie mit Irritationen dieser unterschiedlichen Bereiche. Und sie eröffnet einen faszinierenden Mikrokosmos menschlicher Gefühle und Sehnsüchte.
Mo 1. 10. – Mi 3. 10. > 19.00 Uhr


The Soviet Story 
(Eine Kooperation mit der Universität Zürich)
Die diesjährige Summer School des Historischen Seminars beschäftigt sich mit dem Thema «Wahrheit in der Geschichte und den Geschichtswissenschaften». Verschiedene Dimensionen von Wahrheit kommen zur Sprache: Glaubwürdigkeit der Quellen und die Historisierung der Kategorie Objektivität, politisches Engagement von HistorikerInnen und Methodenstreits in den Geschichtswissenschaften, geschichtliche Wahrheit und historische Gerechtigkeit. Bilder spielen in diesen Diskussionen stets eine wichtige Rolle.
Als öffentliche Veranstaltung und in Zusammenarbeit mit dem Kino Xenix zeigt das Historische Seminar den umstrittenen Dokumentarfilm The Soviet Story von Edvins Snore aus dem Jahr 2008. Der Film arbeitet mit suggestiver Erzählstimme und setzt dramatische Bilder ein, um seine Wahrheit der europäischen Geschichte im 20. Jahrhundert zu plausibilisieren. Dem aus Lettland stammenden Drehbuchautor und Regisseur Snore geht es in seinem Film darum, das durch die stalinistischen wie nationalsozialistischen Verbrechen und Massenmorde gezeichnete Osteuropa als Kristallisationspunkt der Gewalterfahrung des Kontinents im zurückliegenden Jahrhundert zu identifizieren und analysieren.

The Soviet Story
Edvins Snore, Lettland 2008; 86' E/d (DVD, Farbe)
The Soviet Story behauptet eine enge Zusammenarbeit oder mindestens Übereinstimmungen in der Politik und Organisation von NS-Staat und Sowjetstaat, was die Vernichtung der jeweiligen Gegner anbelangt. Er sucht dies am Beispiel der Hungersnot 1932/33 in der Ukraine, den stalinistischen Säuberungen der 1930er-Jahre oder dem Massaker von Katyn 1941 zu belegen und unterstreicht seine Argumentation mit erschütternden Aufnahmen von Leichenbergen sowie durch Augenzeugenberichte von Überlebenden des Terrors. Snore verfolgt dabei eine national-ukrainische Holodomor-Erzählung – ähnlich wie der Yale-Historiker Timothy Snyder in seinem in der Fachwelt hochgelobten, dabei ebenfalls kontrovers diskutierten Erfolgsbuch «Bloodlands». Deren Hauptargumentationslinie lautet, Stalin habe, analog zum nationalsozialistischen Holocaust, dem Genozid an den europäischen Juden, den Hungertod des ukrainischen Volks systematisch als Völkermord geplant.
Der Film, der verschiedene internationale Prämierungen erhielt, hat nach der Uraufführung im europäischen Parlament in Strassburg heftige Debatten in zahlreichen europäischen Ländern ausgelöst. Namentlich russische Historikerkreise, aber auch manche deutsche ZeithistorikerInnen lehnen die im Film porträtierte Sichtweise als Geschichtsverfälschung ab.
Do 6. 9. > 18.00 Uhr

• Im Anschluss an die Vorführung findet eine Podiumsdiskussion statt, an der die Osteuropaexperten Nada Boskovska (Zürich), Norman Naimark (Stanford) und Ulrich Schmid (St. Gallen) zu den Themen des Films Stellung nehmen und mit dem Publikum diskutieren. Jeronim Perovic (Zürich) führt in den Film ein und moderiert das Gespräch.


Dokfilm

The Education of Auma Obama

Branwen Okpako, Kenya 2011; 70' OV/df (DCP, Farbe)
Am 6. November 2012 finden in den USA die Präsidentschaftswahlen statt. Eine politische Karriere hat Auma Obama, die um ein Jahr ältere Halbschwester von Barack Obama, nie angestrebt. Aber zuzutrauen wäre sie der eloquenten Soziologin, die in Deutschland studierte. The Education of Auma Obama ist die intime Studie eines politischen Bewusstwerdungsprozesses. Barack Obama, den Auma erst mit 24 Jahren kennen lernte, kommt im Film erst spät vor; er aber hat ihr die Besinnung auf seine afrikanischen Wurzeln zu verdanken.
Den dramaturgischen Rahmen des Films bildet der Tag des Wahltriumphs Barack Obamas am 4. November 2008, ganz unpathetisch gefilmt auf dem Landgrundstück in Kenia, wo Baracks und Aumas Vater begraben liegt, und wo an diesem historischen Tag eine rauschende Wahlparty stattfindet. Dazwischen beobachtet Branwen Okpako geduldig den globalisierten Werdegang Aumas, der über Deutschland und England nach Afrika zurückführt, wo sie heute als Mentorin von Projektentwicklern und als Sozialarbeiterin tätig ist.
Der Vater von Barack und Auma war politisch unangepasst und kam deswegen in grosse Schwierigkeiten. Sein plötzlicher Tod unter ungeklärten Umständen und das durch Stipendien ermöglichte Studium in Deutschland waren prägend für Aumas Entwicklung. Sie wurde politisch aktiv und beschäftigte sich als Journalistin mit Afrika und dessen Bild in Europa und versuchte dabei, die Öffentlichkeit auf problematische Wahrnehmungs- und Handlungsmuster aufmerksam zu machen. In dieser Zeit schrieb ihr Barack Obama, der damals selber Sozialarbeiter in Chicago war, den ersten Brief. Auma lud ihn nach Afrika ein und machte ihn mit seiner weitläufigen Verwandtschaft bekannt. Endlich hatte sie auch innerhalb der Familie jemanden gefunden, mit dem sie sich über die ihr wichtigen politischen Themen austauschen konnte.
So 2. 9. / So 9. 9. / So 16. 9. / So 23. 9. / So 30. 9. > 12.00 Uhr


Kinderkino

Emil und die Detektive

Gerhard Lamprecht, Deutschland 1931; 75' D Spielfilm für Kinder ab 6 Jahren (35 mm, sw) Mit Rolf Wenkhaus, Käthe Haack, Fritz Rasp, Rudolf Biebrach, Olage Engl, Inge Landgut
Gerade spielte Emil Tischbein noch mit seinen Freunden dem Wachtmeister Jeschke einen Streich im Stadtpark, da packt der Lausejunge schon den Koffer für die Ferien. Sorgfältig verstaut er das Geld, das ihm die Mutter für die Grossmutter mitgibt, in seiner Jackentasche. Einen Feldwiesen-Blumenstrauss unter dem Arm, steigt Emil fröhlich in den Zug nach Berlin. Dummerweise reist auch Gauner Grundeis im selben Abteil mit und freut sich über die gebotene Gelegenheit, den arglosen Jungen zu bestehlen. Doch zum Glück sieht Emil gerade noch, wie der Dieb beim Bahnhof Zoo in ein Tram steigt, und zum Glück kommt ihm Gustav mit seiner Kinderbande zu Hilfe. Während die Grossmutter und die Kusine Pony Hütchen vergeblich auf Emil warten und sich Sorgen machen, beginnt eine turbulente Verfolgungsjagd.
Der Kinderfilm-Klassiker basiert auf dem gleichnamigen Kinderbuch-Renner von Erich Kästner. Die Kritiker von damals waren begeistert: «Dieser Film hat Atmosphäre. Von ihm geht eine Frische aus, eine Jungenhaftigkeit, die mitreisst. Das ist eine Welt, erfasst mit der Phantasie und Illusionskraft des Kindes» («Lichtbühne»). Für das Drehbuch zeichnete auch kein Geringerer als Billy Wilder verantwortlich, der später als Meister der Filmkomödie in Hollywood Karriere machen sollte. Wie sich die Kinder zusammentun, bis Emil das Geld für die Grossmutter wiederhat, ist heute noch ein grosser Filmspass.
Mi 5. 9. / Mi 12. 9. / Mi 19. 9. / Mi 26. 9. / Mi 3. 10. > 14.30 Uhr


Impressum
Xenix-Programm 8/2012 > Kino Xenix, Kanzleistrasse 52, Postfach, 8026 Zürich > Programmation, Filmtexte und Redaktion: René Moser, Beat Schneider > Programm Dokfilm: Lisa Rössler > Inserate: Senta van de Weetering > Erscheinungsdatum: 13. 08. 2012 > Erscheint 11-mal jährlich > Auflage: 4000 Exemplare > Belichtung und Druck: Ropress Zürich > Gestaltungskonzept: Franziska Burkhardt > Satz und Bildredaktion: Lilly Zach > Korrektorat: Claudia Bislin, Andrea Leuthold > Gestaltung Plakat: Burri-Preis graphic design, Zürich > Geht an alle Mitglieder des Filmclubs Xenix
> Ungefaltete Plakate sind kostenlos an der Kinokasse erhältlich

Für das Zustandekommen des Programmes danken wir: Andrea Westermann, Zürich • Aquafilms, Buenos Aires (Roberto Servera) • BFI, London (George Watson) • Cinémathèque suisse, Lausanne (André Schäublin, Richard Szotyori, Régina Bölsterli) • Cristina Urchueguía, Bern • Daniel Gautschi, Zürich • Documenta 13, Kassel (Beatrix Schubert) • Eddie Saeta Sa, Barcelona (Pedro Montse) • Egeda (Entidad de Gestión de derechos de los productores audiovisuales) Madrid (Victoria Bernal) • El Deseo, Madrid (Anna Bogutskaya) • Filmcoopi, Zürich (Sandra Thalmann) • Filmoteca de Catalunya, Barcelona (Sofia, Garcia Martos) • Focus Feature, London (Anna Bohlin, Emil Elmer) • Fred van der Kooij, Zürich • Gina Maria Schneider, Zürich • Gloria Lorena Lopez, Zürich • INCAA, Buenos Aires (Lorena Damonte) • Instituto Cervantes, Madrid (Marina Díaz López) • Jon Alberdi Santesteban, Zürich • Kinowelt, Leipzig (Matthias Meinhardt) • Kurzfilm Agentur, Hamburg (Axel Behrens) • Lobster Film, Paris (Serge Bromberg) • Lola Films, Madrid (Marta Cardenal) • Lstantic, Buenos Aires (Patricia Barbieri) • Lucrecia Martel, Buenos Aires • Luís Calvo Salgado, Zürich • Look Now!, Zürich (Bea Cuttat) • Match Factory, Köln (David Bauduin, Maria Villares) • Ministerio de cultura/ICAA, Madrid (Marisa Capa, Manuel Ilamas, Matas Montserrat) • MK2, Paris (Natacha Catherine, Juliette Schrameck) • New Wave Films, London (Robert Beeson) • Pathé Films, Zürich (Mathieu Zortea) • Präsens-Film AG, Zürich (Markus Speck, Corinne Rossi, Kim Lara Gassmann) • Rialto Film, Zürich (Yasmin Wenger, Marisa Suppiger) • Slot TV, Madrid (Oriol Barquer) • Studio Canal, Berlin (Jördis Nagel, Matthias Meinhardt) • Tamasa, Paris (Philippe Chevassu, Antoine Ferrasson) • Tobis Film, Berlin (Astrid Kail) • Trigon Film, Ennetbaden (Regula dell’Anno) • Verve Pictures, London (James King) • Video Mercury, Madrid (Fernando Ríera) • Xenix Filmdistribution, Zürich (Patrick Riesen, Jan Clemenz)

Für die besondere Zusammenarbeit danken wir:
Logo Kulturministerium, und Logo Filmoteca, Barcelona


Jetzt auch digital

Dank Unterstützung von zahlreichen Seiten wird Anfang September ein neuer digitaler Projektor im Xenix stehen und gleich in Betrieb genommen. Damit können wir nun auch Filme zeigen, die es nur in digitaler Version gibt - weil sie zu neu sind, oder weil die restaurierte Fassung nur digital zugänglich ist. Und weiterhin sind wir mit zwei 35 mm-Projektoren bestens ausgerüstet für die grosse Menge an Filmen, die es weiterhin nur in dieser Form gibt.

Wir danken ganz herzlich:
der Zürcher Filmstiftung
Stadt, Baudepartement



nzz |  

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